martes, 17 de noviembre de 2009

El teatro siempre cuenta lo importante - Griselda Gambaro. Nota de Gabriela Gómez

Griselda Gambaro estuvo en Montevideo para asistir al estreno de La persistencia
Narradora, ensayista y dramaturga, Griselda Gambaro (Buenos Aires, 1928) es desde los politizados años 60 creadora de una prolífica obra que se estudia en paralelo con la del dramaturgo argentino Eduardo Pavlovsky (El Sr. Galíndez, Telarañas) por la postura de ambos autores en cuanto a la interpretación de la realidad y su cuestionamiento ético. En 1976 Gambaro debió exiliarse en España, luego de que su novela Ganarse la muerte fuera considerada “contraria a la institución familiar” por la dictadura militar argentina.
-¿En qué rol se siente más cómoda, como narradora o como dramaturga?
-Siempre he alternado la narrativa con la dramaturgia. Empecé escribiendo narrativa y después de algunos años me dediqué alternativamente también al teatro. Al principio incluso adapté, hice versiones teatrales de algunas novelas mías cortas, como Las paredes y El desatino, que inicialmente fueron novelas cortas.
-Su último estreno fue un monólogo, El misterio de dar, basado en un cuento publicado en el año 1968 en Lo mejor que se tiene. ¿El tema ahí es la pobreza?
-No es tanto la pobreza sino qué nos pasa cuando damos -no tanto por solidaridad social, sino por un impulso hacia el otro- aunque no tengamos, cuando damos lo poco que tenemos. Qué le pasa a una anciana que tiene sólo su pensión y que no da con gusto. Da pero desconfía de sus propios sentimientos, teme ser estafada por el que pide, se arrepiente porque a ella tampoco le sobra el dinero. Son sentimientos complejos los que provoca ese misterio de dar, por qué damos, pero finalmente nos enriquece.
-En Antígona furiosa y en La Sra. Macbeth hay una nueva lectura de estos personajes femeninos del teatro clásico. ¿Se trata de renovar este lugar de lo femenino?
-Supongo que en mi obra hay otra mirada sobre la situación de la mujer y sobre ciertas aspiraciones y defectos de una mujer que parte de mi género, no es una mirada neutral. Por otra parte, aunque fuera mi intención nunca podría ser una mirada neutral. Por supuesto, me preocupa en particular la situación de la mujer, pero eso está también remitido a la historia que cuento, que también incluye hombres. Lo que sí sé es que ningún autor sabe si sus obras van a perdurar o si sus obras son valiosas. Pero a partir de mi aparición en el teatro argentino hubo toda una generación de dramaturgas; dramaturgas hubo siempre en el teatro argentino, pero lo de “generación de dramaturgas”, de mujeres que escriben para el teatro y que hacen un trabajo sólido, vino después.
-¿Cómo evalúa el momento del estreno de El desatino (1965), considerada una obra clave para el teatro latinoamericano de las últimas décadas?
-Por una serie de circunstancias se produjo lo que se podría llamar un escándalo con el estreno de esa obra. En primer lugar, porque el teatro argentino en ese momento era del tipo realista-costumbrista. Había toda una generación dedicada a ese tipo de teatro (Roberto Cossa, Gorostiza, Ricardo Halac) y de pronto apareció alguien que escribía un teatro completamente distinto, no dirigido a la psicología de los personajes, a la morfología de los personajes, a las situaciones, al lenguaje. Esa obra, para colmo, se estrenó en el Instituto Di Tella, que tenía fama de esnob en una época muy politizada, así que también influyó que entre todos esos autores hombres surgiera una dramaturga mujer, con un diseño teatral completamente distinto.
-¿Y cuál fue la reacción?
-Siempre tuve una zona de la crítica y del público que me apoyó mucho, y después otra de colegas que no me apoyaron. Esta especie de enemistad duró hasta la dictadura militar de 1976 y se vio dónde estaba cada uno parado políticamente, y esto aclaró también la parte estética. Todos estábamos en el teatro argentino, al final de cuentas. En el 77 prohibieron una novela mía, Ganarse la muerte; prohibiciones de libros hubo siempre, pero en esa época significaban otra cosa. Yo tenía muchos amigos desaparecidos, por mi barrio hacían razzias constantemente y se cortaron los lazos de comunicación con mi público. Dentro de ese clima justificado de paranoia pensé, junto con mi familia, que era mejor dejar el país por un tiempo. Me fui en el 78 y volví en el 81.
-Con respecto a La persistencia, ¿cómo llevaste este acontecimiento tan fuerte al teatro?
-Nunca sé cuál es el impacto que de pronto me lleva a escribir determinada obra. Creo que simplemente fue leer la noticia en el diario, la noticia escueta, fría. Uno está anestesiado con tantas noticias de muerte, y a través de cualquier obra de arte el impacto siempre es mayor, pasa a otra categoría de hecho y además, cuando la obra es buena, sigue llamando a la conciencia.
-Los temas son oscuros: la violencia, la muerte y su persistencia.
-Yo no sé si son oscuros. Pueden ser duros, pero creo que el espectador que va a ver una obra de teatro o el lector que lee un libro siempre obtiene una reparación mediante el arte, que te marca que hay otro que tiene tus mismas preocupaciones o tus mismos dolores, ese compartir solidario que produce una sanación. Uno no recibe sólo la anécdota, recibe algo más allá de lo que se cuenta. Esa sanación es salir con toda esa emoción que uno recibe del escenario o del libro, es salir sanado de la soledad, de la soledad de la condición humana.
-Tu colega Rafael Spregelburd dijo que se sentía liberado del imperativo de los años 80 de “decir lo importante”. ¿Cuál es tu opinión?
-Disiento con la frase. No disiento con el teatro que él hace porque cada generación busca su modo de expresión, de insertarse en el corpus de la tradición teatral, y cada generación tiene su soberbia, la de matar a sus padres. Hay que ver si pueden, ¿no? Él no tiene la obligación y yo no tengo ninguna obligación de contar lo importante, tengo una responsabilidad. Si uno tiene el poder mínimo de la palabra y de la imaginación, tiene una responsabilidad: la de no escribir pavadas. No digo que sea el caso de Spregelburd. El teatro siempre ha contado lo importante. Aun Molière, haciendo reír, contaba lo importante. No hay que ser solemne ni ser siempre dramático, pero el teatro siempre ha dirigido su mirada hacia las cosas que importan. Una mirada con humor, con sagacidad. Ni Feydeau ha hablado frívolamente, no se ha dedicado a los chistes de café en teatro, es otra cosa. Perder ese carácter sagrado, colectivo, en el mejor sentido de solidario, de “agremiar” de los sentimientos. El teatro no es un onanismo. Yo no intento escribir obras éticas. Me salen. Creo que es la personalidad del autor lo que determina el carácter de la obra. Puede salir bien o mal, eso es aparte.

Gabriela Gómez. La Diaria. 12 de noviembre de 2009

jueves, 5 de noviembre de 2009

Desbarranco en La Fábrica - Tandil


A partir de hoy

TEATRO
Jueves 5 de Noviembre - 21:00 hs.
Viernes 6 de Noviembre - 21:00 hs.
Sábado 7 de Noviembre - 21:00 hs.
Domingo 8 de Noviembre - 21:00 hs.

Desbarranco
Versión libre de las piezas Las de Barranco y Los Invisibles de G. de Laferrere
Desbarranco

Final Práctica Integrada II
Facultad de Arte

Ficha Técnica
Actúan: Gloria Bochieri, Julia Esquivel, Victoria Rodriguez, Valeria Guasone, Rocio Ferreyro, Belén Aramayo, Juan Camer, Andres Carrera y Sol Gomar
Asistente de Dirección: Esteban De Sandi
Utilería y Vestuario: Alejandro Páez
Diseño de Iluminación: Silvio Torres
Operación de Luces y Técnica: Yanina Crescente - Esteban Velazco
Dirección: Paula Fernandez - Daniela Ferrari

miércoles, 4 de noviembre de 2009

Teatro autobiográfico y colectivo en BALCARCE

Acá estoy chico cuando era yo

Teatro autobiográfico y colectivo.

Roig-Errendasoro- Fernández -Sansosti


::DIRECCIÓN::

Gabriela González


Sábado 7 de noviembre, 2009.

20:30hs. - Entrada $10.-


Escuela de Arte de Balcarce

calle 11 nº676 -Balcarce

domingo, 25 de octubre de 2009

Tango, Piazzola y algo más. En el Teatro Municipal

"Esta es una época de oro del teatro argentino" Jorge Dubatti


El teatro argentino, es el lugar donde la Argentina comienza a aceptar que murió, que después de la dictadura ya no existe, que se disolvió, que no es lo que era.
En una nota aparecida el domingo pasado en Página 12 se pueden leer las siguientes apreciaciones de Jorge Dubatti:
“Esta es una época de oro del teatro argentino, un período de una singularidad y una riqueza nunca antes vista”. (...) “El teatro argentino, especialmente en la pieza Postales argentinas, de Bartís, es el lugar donde la Argentina comienza a aceptar que murió, que después de la dictadura ya no existe, que se disolvió, que no es lo que era. Lo que existe es una idea mítica de la existencia del país. Vamos al teatro a reconocer que la Argentina ya no existe y a exorcizar ese sentimiento en los cuerpos vivientes. Es una sensación tremendamente paradójica pero a la vez tan hermosa porque es la primera vez que el teatro argentino cumple esta función. Después de esta muerte no se ha definido aún la constitución de otra entidad. Lo que se observa es un fenómeno de constelación, de diversidad, de multiplicidad, de ‘cada loco con su tema’, y especialmente la ruptura de la cadena de transmisión de experiencias, un fenómeno que me fascina”.
(...) “Ya no hay una genealogía entre abuelos y nietos (...). La sensación es que no podemos pensar más en términos de herencia porque se rompió la cadena de transmisión de experiencias. Ya no se puede construir desde los padres sino desde el desamparo. Me constituyo en mi propio padre, o en todo caso construyo una constelación de padres en la que siendo yo teatrero, mis padres pueden estar en la fotografía, en la cartografía, en el discurso de la historia".
(...) "La gente va al teatro (...) para compensar esa carencia en el reencuentro con los cuerpos vivos. Voy al teatro y reaparece la dimensión de algo viviente. Es como si dijera que voy caminando por una ciudad que tiene ya un estatuto virtual, pero de pronto me encuentro con alguien vivo, todavía hay algo que sigue existiendo, aunque sea como memoria de un pasado. Pero los mitos del pasado no sirven para pensar esta desolación del presente”.
¿Qué opinan? ¿Tienen la misma percepción del teatro que hacemos, del teatro que vemos? Tengo la impresión de que está apuntando a una cuestión central de este momento.

La nota de Página 12 fue resumida por Carlos Ianni, moderador del Foro del Celcit.

sábado, 10 de octubre de 2009

Festival Guitarras del Mundo 2009


“ FESTIVAL GUITARRAS DEL MUNDO 2009” , a realizarse el día 16 de octubre a las 21 Hs en el Teatro Municipal. Dicho espectáculo es ofrecido por la Secretaria de Cultura de UPCN, invitando a nuestra localidad a formar parte de la realización de la XV Edición de dicho festival.

Los artistas seleccionados por el director artístico Prof. Juan Falú para el espectáculo serán : Duo Hilden- Lethinen ( Finlandia), Carlos Martínez y Juan Gederlini ( Nacionales). Acompañarán a los mencionados 2 representantes de UPCN. Por nuestra ciudad fueron seleccionados Norberto Suárez y Raúl Marchetti.

Este evento tiene una importancia única a nivel internacional participando en más de 80 sedes en todo el país, con 30 sedes de la Provincia de Buenos Aires entre ellas Balcarce , siendo su repertorio Clásico –Popular.

Es de destacar que este festival es Gratuito para los afiliados de UPCN, apto para todo público con un costo general de $ 5 A BENEFICIO DEL JARDÍN 907 para el resto del público. Entradas en venta en el jardín y en boletería del teatro de 17.00 hs. en adelante.

lunes, 5 de octubre de 2009

Primer Tandil Teatro del 14 al 18 de Octubre


TEATRO - PRIMER TANDIL TEATRO
14 al 18 de Octubre

A partir del 14 de octubre se desarrollará en nuestra ciudad el Primer Festival de Artes Escénicas Tandil Teatro 09
Con una programación más que exquisita, como para pegarse a la butaca y no sacar la mirada del escenario, tendrá lugar en nuestra ciudad Tandil Teatro 09 “Primer Festival de Artes Escénicas”, del 14 al 18 de octubre. Este encuentro de relevancia nacional, está organizado por el Centro de Investigaciones Dramáticas de la Facultad de Arte de la Universidad Nacional del Centro y forma parte del Primer Circuito Nacional de Festivales 2009 “El país por el país” que viene llevando a cabo el Instituto Nacional del Teatro dependiente de la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación, en cuarenta sedes de norte a sur de la Argentina. Cabe aclarar que Tandil fue la ciudad elegida en la Provincia de Buenos Aires para la realización de este encuentro. Otras sedes de este mega emprendimiento teatral a nivel nacional son: Río Negro, Mendoza, Salta, San Luís, Córdoba, Misiones, Chaco, Santa Fe y Tierra del Fuego.
Este Primer Festival de Artes Escénicas que inicia el 14 de octubre contará con la presencia de 8 elencos provenientes de distintos puntos del país, que ofrecerán funciones para escuelas y público en general con variadas propuestas escénicas que van desde teatro infantil, musical, ilusionismo, mimo hasta murga uruguaya. Espectáculos imperdibles para Tandil y la región. El espectáculo top para el día de apertura, o sea el 14 del mes que viene, es nada más ni nada menos que “Karabali, ensueño Lecuona”, un homenaje al gran maestro cubano Ernesto Lecuona, a cargo del reconocido elenco teatral “Los Amados”. Premio ACE al mejor espectáculo café-concert. La función tendrá lugar en el Auditórium del Centro Cultural Universitario (Yrigoyen 662), a las 21. La entrada para este espectáculo es gratuita.
Por otra parte en esta obra se despliegan singulares personajes que proponen momentos de humor y que sus actores son genuinos creadores de un género que ellos mismos llevan a su máxima expresión: el romántico Kitsch. Bajo la dirección de Alejandro Viola, la Compañía Argentina Los Amados, combina teatro, música latina y humor exquisito.
Más allá de este destacado espectáculo inicial de Tandil Teatro 09, el abanico de propuestas es más que amplio. Para la primera jornada, estará asimismo en cartelera la obra infantil “¿Podés silbar?” del grupo “Atacados por el arte”, a las 10 de la mañana, en el auditorio de La Fábrica. En la jornada del 15 de octubre habrá, destinados para los espectadores más pequeños, títeres y mimos a partir de las 10 de la mañana. Asimismo ese día a las 20 se presentará la obra Puente Roto del elenco El Enko, un espectáculo para adultos que aborda las fisuras del tiempo. El cronograma prometido es rico y variado en propuestas para cada una de las jornadas. No obstante vale destacarse que el sábado 17 a las 21 horas, en el auditórium del Alfa, se presentará el elenco completo de la murga uruguaya “Agarrate Catalina” y como broche final del festival René Lavand desplegará sus dotes de ilusionismo más que reconocido, el domingo 18, a las 21.30 con su espectáculo “No se puede hacer más lento. La belleza del asombro”. También en el auditórium del Alfa. Las expectativas de este festival único en la región son amplias, las propuestas más que prometedoras y con todo esto, las butacas esperan público a disfrutar.
ENTRADAS A LA VENTA A PARTIR DEL 1 DE OCTUBRE EN EL CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO (YRIGOYEN 662). DE 16H A 21H.

Programación


¿PODÉS SILBAR?
Infantil - Compañía Atacados (…por el Arte)
Miércoles 14 de Octubre - 10:00 hs y 15:00 hs - Teatro La Fábrica
Funciones Especiales para Colegios

El reloj de la vida de un abuelo sin nietos amenaza con detenerse. La habitación en el hogar de ancianos se vacía de sinsentido en la soledad de su inquilino. Afuera el torbellino del juego infantil, un chico sin abuelo escucha atento el relato de las peripecias de un amigo que disfruta, por su parte, de su condición de nieto. El niño buscará al anciano y ambos se adoptarán mutuamente. Así, las emociones puestas en ujego, encuentran un desarrollo dramático intenso, que terminan contenidas en un final que es un poético canto a la vida.


"KARABALI, ENSUEÑO LECUONA", UN HOMENAJE AL GRAN MAESTRO CUBANO ERNESTO LECUONA
Teatro Musical para todo público - Grupo Los Amados
Miércoles 14 de Octubre - 19hs - Auditorium Alfa
Entrada Gratuita

El concierto de Los Amados es un gran sueño. ¿Son argentinos? Ellos dicen ser nueve artistas latinoamericanos de diferentes países –los mejores en lo suyo- que tras muchos años se reúnen sobre un escenario para dar un romántico recital, único e irrepetible. Fueron glorias de épocas pasadas, pero creen estar todavía en la cresta de la ola. Algunos consideran que ni siquiera son de este planeta. De la mano de su líder Alejo Chino Amado, oriundo de un desconocido pueblo llamado Dos Corazones, cuentan historias de amor y pasión tan disparatadas que logran que el público se divierta sin preguntarse si de verdad han ocurrido. Y en el aire… la música. Música. Poesía y humor. Sólo se trata de soñar.


DE FIERRO
Títeres para todo público - Versión libre de Martín Fierro, de José Hernández.De Fernando Arancibia, Claudia Peña
Jueves 15 de Octubre - 10:00 hs y 19:00 hs - Teatro La Fábrica
Funciones Especiales para Colegios

¡Otra puesta en escena del emblemático y conocido poema nacional! ¿Con títeres? ¿Para adultos?
Muñecos siniestros, humor ambiguo, ironía estética. Un mundo bizarro suspendido en algún lugar de la historia argentina. Pasado y presente. Repetición patética. Energía humana capturada y transferida a la materia. Espectadores e intérpretes sosteniendo juntos la ilusión. Y la esperanza…
Instantes sagrados entre la vida y la muerte.


QUIEN LO PROBÓ LO SABE. Sobre la vida y la obra de Lope de Vega
De Mariano Moro - Unipersonal - Compañía Los del Verso
Jueves 15 de Octubre - 21:30 hs - Teatro La Fábrica
Entrada: $10

Esta obra es una reconstrucción del Siglo de Oro español a través de la tragicómica vida de quien fuera, además de uno de los dramaturgos más prolíficos del mundo, el creador de la tragicomedia como género. Una vida accidentadísima, cargada de pasiones, triunfos, peligros y desventuras, y vivida con arte, humor, sensibilidad e inteligencia.


PUENTE ROTO
De Pompeyo Audivert - Teatro para adultos - Compañía El Enko
Viernes 16 de Octubre - 19:00 y 21:30 hs - Teatro La Fábrica
Entrada: $10

Un puente se rompe y dos tiempos se cruzan inexorablemente: el presente con el pasado y, más precisamente, una época de nuestra historia argentina que fue crucial, la de Lavalle. “Puente roto” es una obra que trata sobre las fisuras del tiempo, también intenta ser una reflexión poética en son de sainete sobre nuestra historia –especifica su autor-.
Los personajes enfrentan un dilema ético y moral, deben encubrir un hecho de sangre en el presente y ayudar a Lavalle en el pasado, deben tomar posición en los dos tiempos que les toca vivir. Aquí y allá hay que tomar partido.


PAN DE CADA DIA
Mimo para todo público - De Mario Marino, Gabriela Pagés
Sábado 17 de Octubre - 19:00 hs y Domingo 18 de Octubre - 19:00 hs - Teatro La Fábrica
Entrada: $10

Cuando agua y harina se encuentran son inseparables, pero ese amor se hizo pan tan común y cotidiano como necesario. Una relación cotidiana contada con humor de una forma no tan cotidiana


EL VIAJE
Murga uruguaya - Agarrate Catalina
Sábado 17 de Octubre - 21:30 hs - Auditorium Alfa
Entrada: $10

Los integrantes aparecen caracterizados de ancianos en el final de sus vidas. La risa se hace presente con los couplés (cuadros de canto sobre situaciones de humor) sobre "El novio de la nieta", "Los viejos militantes" y la rebelión de los ancianos al uso de elementos molestos (como el pañal geriátrico). En estos segmentos la murga se destaca con un libreto que rompe los cumplidos de lo políticamente correcto. La clave de Agarrate Catalina está en los textos de un joven humorista, Carlos Tanco, que combina su visión veinteañera con amplios conocimientos sobre la cultura, historia, política y tradiciones uruguayas.


No se puede hacer más lento. La belleza del asombro
RENÉ LAVAND
Domingo 18 de Octubre - 21:30 hs - Auditorium Alfa
Entradas: $30 y $40

René Lavand nos engaña, nos ilusiona, nos sorprende, nos cuenta historias y sabe cómo llegar a nuestras fibras más íntimas para transitar “la belleza del asombro”. Una oportunidad imperdible para dejarse llevar por la ilusión a mundos insospechados a través del arte de nuestro convecino. Para no dejar de aplaudir.

sábado, 5 de septiembre de 2009

Acá estoy chico cuando era yo

UNICAMENTE ESTE FIN DE SEMANA

Acá estoy chico cuando era yo, un espectáculo en el que los actores re-viven y reinventan algunas de sus historias familiares más antiguas, aquellas que los marcaron cuando todavía no les preocupaba si serían verdaderas o una simple fábula familiar.

Mientras cuentan … recuerdan, y en el recuerdo todo se mezcla, “¿lo vi o me lo contaron?”; “¿lo viví o lo soñé. Relatos, susurros, fotos y videos, todos juntos cuentan, y no nos dejan mentir… o si?

Se trata de una creación grupal, construida en base a recuerdos familiares reales de los actores. Un largo buceo por coincidencias generacionales, diferencias regionales, gustos, dichos, rituales familiares (no tan familiares para los demás), y ante todo por esas palabras repetidas, esas historias escuchadas una y mil veces, aprendidas sin querer. Largo viaje interior que sale al fin a la luz, todo junto, mezclado, cortado, superpuesto, como los recuerdos.

Ficha Técnica

Actúan Belén Errendasoro, Paula Fernández, Christian Roig y Sergio Sansosti,

convocados por la idea y dirección general de Gabriela González.

Asisten con los artilugios técnicos Pehuén Guitérrez y Alejandro Indio Ramírez Llorens, quien diseña luces mientras arregla circuitos; en vestuario y objetos apuntala Alejandro Páez.

Como todo queda en familia, el vestuario fue realizado por la mano experta de Guillermo González y Nélida Salguero;

el asesoramiento en dicción quedó a cargo de Hilda Candia de Roig y las voces en off fueron robadas, no siempre con consentimiento, a Juan Roig, Horacio Sansosti y Susana Roig.

Jerónimo Ruiz supo captar la esencia yuxtapuesta y caótica del recuerdo, y generar los temas musicales que acompañan el recorrido de los actores durante el espectáculo.

Los videos fueron realizados cuadro a cuadro por Sergio Sansosti, -actor pero también Ingeniero- tuvo que poner todas sus dotes a prueba haciendo, además, software específico, la página web y el afiche de promoción.

También Christian Roig usó sus conocimientos de Sistemas para crear el diseño de postales y la página en Facebook del espectáculo.

Sábado 5 y Domingo 6 de Septiembre a las 20:00 hs (los dos días) (sábado antes del partido Argentina-Brasil).

Teatro La Fábrica, Pinto 367,Tandil.

Dos únicas funciones en Tandil.

lunes, 31 de agosto de 2009

La obra teatral “Dos Gallos Ciegos” llega a los escenarios pilarenses

Se estrenará el próximo 12 de septiembre en la Casa de la Cultura de Del Viso. Cuenta con las actuaciones de Hugo Alba y Ernesto Sigaud y la dirección de Jorge “Titi” Villar. Una historia que desnuda el trato que le damos a nuestros abuelos y sus peleas por mantenerse vivos y con sueños por alcanzar, pese a la edad.

El próximo 12 de septiembre se estrenará por primera vez la obra teatral “Dos Gallos Ciegos” en las instalaciones de la Casa de la Cultura de Del Viso.

La pieza, que llega a Pilar de la mano del Grupo Face Teatro, cuenta con las actuaciones de Hugo Alba y Ernesto Sigaud y la dirección de Jorge “Titi” Villar.

La cita será a partir de las 20.30 y las entradas estarán a la venta desde el próximo 1º de septiembre en esa casa cultural ubicada en Ruta 26 y Luis María Gonnet.

“Dos Gallos Ciegos” es una obra teatral que fue escrita por Alberto Cattán y narra la historia de dos “viejos” de 77 años – Carmelo Belladona y Braulio Pérez - que, sentados en un banco de plaza, rememoran las épocas de la juventud y al mismo tiempo sufren, la sociedad de consumo, la soledad, la falta de valores, las faltas de respeto y el miedo a la muerte se conjugan en la trama de una obra que pone de manifiesto el lugar que la sociedad les ha dado a los viejos.

Pero también, los sueños, las añoranzas del tiempo pasado y el valor de la amistad y la compañía ponen a estos dos personajes en situaciones cómicas y al mismo tiempo muy emocionantes.

El próximo 12 de septiembre será el estreno nacional de la pieza teatral ya que desde que su autor la escribió, en el año 2000, nunca se representó.

Después de la presentación en la Casa de la Cultura , “Dos Gallos Ciegos” y el grupo Face Teatro emprenderá una gira que los llevará por distintos puntos de la provincia de Buenos Aires.

Para reservar entradas: Casa de la Cultura de Del Viso

Gonnet y Ruta 26

Teléfono: 02320-409360

viernes, 14 de agosto de 2009

Alberto Vacarezza: Una evocación del gran sainetero criollo.

Hace 50 años moría el creador de El conventillo de la Paloma y gran defensor de los derechos de los autores y actores argentinos.
A 50 años de su muerte, se evoca la figura de Alberto Vacarezza, un hombre de la cultura porteña que bregó por el bienestar social de autores y actores, y marcó con su escritura un hito muy importante de nuestra dramaturgia nacional. Fue uno de los cultores más generosos del sainete criollo y un mimado del público porteño. Como dato ilustrativo, cabe mencionar que el 29 de mayo de 1930 el autor celebró las mil representaciones de El conventillo de la Paloma, una de las obras que más ha perdurado en la memoria de la gente.
Bartolomé Angel Venancio Vacarezza, más conocido como Alberto, nació el 1º de abril de 1886 y fue, es muy justo reconocerlo, uno de los mayores autores de sainetes porteños de principio de siglo. Ya desde su juventud, se vislumbraba el talento que tenía para la dramaturgia, pero, mientras tanto, se desempeñaba como rematador de muebles y empleado judicial en el Juzgado de Paz de Triunvirato y Canning. Fue la recomposición social que se estaba gestando en Buenos Aires, a principios del siglo XX, con la inserción de las corrientes inmigratorias la que inspiró su vocación autoral.
Su primera obra fue El juzgado , que se estrenó el 20 de marzo de 1903 en el salón Il Risogimento, de Villa Crespo, con la dirección de Mario Perelli. En 1911, ganó el primer concurso de sainetes que impulsó Pascual Carcavallo, en El Nacional con Los scruchantes. Alentado por su compañero de estudios y amigo Armando Discépolo, a partir de este momento, se dedicó al teatro con la preocupación de rescatar personajes populares y un lenguaje barrial que también lo acercaron al tango. En 1921 con música de Enrique Delfino, escribió el famosísimo tango "La copa del olvido", que al año siguiente grabó Gardel en una memorable versión.
Inquieto y curioso por encontrar nuevos formas de expresarse, Vacarezza también se transformó en un hombre de radio, como charlista breve y autor de cantidad de guiones para propuestas de diverso tipo. Escribió poemas sencillos que recitaba por la radio y que, posteriormente, fueron editados en libros, como por ejemplo: "La Biblia gaucha", "Dijo Martín Fierro" y "Cantos de la vida y de la tierra".
También desarrolló una intensa actividad gremial, tanto en Argentores (Sociedad Argentina de Autores), como en La Casa del Teatro. Fue de los primeros en luchar para conseguir el aporte de los propietarios de las salas teatrales.
EL GRAN SAINETERO. El 6 de agosto de 1959, Alberto Vacarezza falleció en Buenos Aires, pero su recuerdo quedará siempre presente a través de una obra que enriqueció al teatro argentino, valioso aporte creativo a la cultura de una ciudad en permanente crecimiento.
Dijo Luis Ordaz, en Historia del teatro argentino, "Las petipiezas de Alberto Vacarezza pueden ejemplificar perfectamente la línea intermedia que se ubica entre las burlas pícaras y el jugueteo sentimental del sainete, con antecedente hispano Vacarezza es un fabulista pinturero del arrabal y sus gentes? Se dedica a «recrear» máscaras prototípicas de compadres, compadritos, gabiones, paicas y grelas de variada estirpe y macchiettas que buscan personalizar tipos genéricos de la inmigración. Vacarezza es un romanceador magnífico de tipos teatrales que habitan y componen un arrabal muy particular. Un arrabal o un patio de conventillo que para el caso es lo mismo. Sin dudas, es el último gran maestro del sainete, para cuya elaboración repentista posee una verba galana y colorida, y una facilidad pasmosa. Tiene el talento que les falta a los que suponen que no es necesario tenerlo para hilvanar las peripecias de un sainete y que son, en definitiva, quienes llevan el género a su crisis y a su desaparición".
La fórmula del sainete de Vacarezza se encuentra en la obra La comparsa se despide (1932), en boca del personaje Serpentina: "Poca cosa:/un patio de conventiyo,/ un italiano encargado,/ un yoyega retobado,/ una percanta, un vivillo./ Dos malevos de cuchillo,/ un chamuyo, una pasión,/ choques, celos, discusión,/ desafío, puñalada,/ aspamento, disparada/ auxilio, cana y telón./ Y debajo de todo eso,/ tan sencillo al parecer,/ debe el sainete tener/ rellenando su armazón/ la humanidad, la emoción,/ la alegría, los donaires/ y el color de Buenos Aires/ metido en el corazón".
Si se ahonda un poco en la esencia de los sainetes de Vacarezza, se perciben tramas ingenuas, con moralejas casi de cuentos de hadas, en donde el malo es vencido y el bueno (un guapo bueno, pues siempre lo hay) habrá de jugarse para salvar a la muchachita, en el fondo sentimental y carente de maldad, que va a ser o ya ha sido malamente engañada. No son los tipos ni los problemas lo que en verdad preocupa y atrae en un sainete de Vacarezza, sino la frescura y el colorido de sus juegos verbales, especialmente cuando utiliza el verso. Un ejemplo de su talento lo da la recreación, a pedido de su amigo José González Castillo, del soneto clásico que Lope de Vega escribió ante la solicitud de Violante. "Un soneto me manda hacer Castillo/ y pa´ poder zafar de este brete/ en lugar de un soneto haré un sainete/ que para mí es trabajo más sencillo./ La escena representa un conventillo;/ personajes: un grébano amarrete,/ un gallego que en todo se entromete/ una grela, dos taitas y un vivillo./ Se levanta el telón, una disputa/ se entabla entre el yoyega y el goruta,/ de la que saca el rana pa´l completo./ El guapo despreciao por la garaba/ se arremanga pa´l final, y viene la biaba,/ y se acaba el sainete. . . y el soneto."
Susana Freire. La Nación. 9 de agosto de 2009. (Fuente: BOLETÍN El CELCIT EN ACCIÓN - 481)

miércoles, 22 de julio de 2009

Ficción y realidad - Crónica de un caso chileno, Por Carlos Genovese - 2da. Entrega


PRIMAVERA CON UNA ESQUINA ROTA
En el invierno de 1984 el grupo ICTUS, al cual pertenezco desde 1980, estrenaba en Santiago de Chile la adaptación de la novela homónima del escritor uruguayo Mario Benedetti, Primavera con una esquina rota. Se trataba entonces de una obra sobre el exilio en todas sus formas. El exilio exterior de una familia uruguaya obligada a dejar su país después del golpe militar de 1973 y el exilio interior del jefe del hogar quien debía permanecer prisionero durante cinco años en una cárcel para presos políticos en Montevideo. La similitud de las experiencias políticas entre Uruguay y Chile, la necesidad de tratar el tema del exilio con su carga de desintegración y muerte, la posibilidad de reflexionar sobre el impacto que las dictaduras militares provocan sobre toda la sociedad que las padece y en particular la situación vivida en el Cono Sur de América Latina, llevaron a nuestro teatro a elegir y montar esta obra.
En el mes de marzo de 1985 y al cabo de nueve meses de funciones, los que participábamos en dicho montaje fuimos sacudidos por un hecho político de macabras características: el secuestro y posterior asesinato por degollamiento de tres profesionales comunistas a manos de un grupo armado, presumiblemente integrado por miembros de las Fuerzas Armadas de nuestro país.
Una de las víctimas era el joven sociólogo José Manuel Parada (36 años), hijo del veterano actor Roberto Parada (76 años), uno de los protagonistas de la obra de Benedetti. Pasados los primeros días del horror y del espanto, sobrepuestos al hecho de conocer la noticia del crimen en medio de una función de Primavera… , que Parada se negó a suspender transformándolo en un homenaje a su hijo asesinado, seguimos adelante con nuestras presentaciones.
Sin embargo, rápidamente nos dimos cuenta que el sentido de la obra se había modificado en virtud de la percepción nueva que el público tenía de ella. El tema del exilio, sin dejar de ser importante, pasaba a un segundo plano y los santiaguinos seguían ahora la obra como un alegato contra la prisión, la tortura y el crimen institucionalizados.
Los énfasis que los actores poníamos en determinadas escenas fueron cambiando perceptiblemente y algunos parlamentos adquirieron nuevas significaciones a la luz de los hechos.
Así, por ejemplo, cuando don Rafael, el abuelo uruguayo interpretado por Roberto Parada, decía: "Cuando revientan a un militante, como fue el caso de mi hijo y arrojan a su familia al exilio involuntario… ¡Desgarran el tiempo! ¡Trastruecan la historia! No sólo para ese mínimo clan, sino que corrompen los cimientos de toda la sociedad."
Un silencio estremecedor llenaba la platea, conmovida por la imagen de ese hombre que en la vida real debió soportar, primero el exilio de su propia hija y después el asesinato de su único hijo.
Primavera con una esquina rota que fuera en la fecha de su estreno concebida como una obra con una estructura de protagonistas abierta, polivalente, en la que el espectador podía seguir su trama a través de cualquiera de sus cinco personajes protagónicos, se nos transformó en otra, cada vez más centrada en el drama del viejo profesor universitario interpretado por Parada, que sufre al no poder reunirse con su hijo.
Su angustia y sus contradicciones se convirtieron en un poderoso eje que captaba gran parte de la atención y la emotividad del espectador. Lo que en nuestra jerga, en ICTUS, llamamos "el efecto modificador del público", se cumplía aquí a cabalidad. Y si pensamos que ese público había sido modificado a su vez, por la triste realidad de un país sometido, la respuesta a la pregunta ¿quién modifica a quién? se transformaba en una espiral sin fin. Y no se trataba en este caso de una incapacidad artística nuestra, para manejar y conducir un material dramático que conocíamos a la perfección, después de siete meses de ensayos y otros tantos de funciones.
Existía un elemento de la realidad objetiva tan contundente y palpable que nadie podía ignorarlo o librarse de su influjo modificador.

martes, 14 de julio de 2009

Ficción y realidad: Crónica de un caso chileno Por Carlos Genovese - 1era. Entrega


"En diversos foros internacionales y a lo largo del tiempo, hemos escuchado en más de una oportunidad la crítica que algunos escritores hacen al teatro latinoamericano por su tendencia a obras de tema político excesivamente contingentes y por lo mismo, de fácil llegada a un público generalmente ávido de ver sobre el escenario los conflictos sociales que lo preocupan y conmueven. De acuerdo con esas críticas este tipo de producciones impediría el florecimiento de una dramaturgia local más sólida, con obras de temas más trascendentes y perdurables, lo que necesariamente obligaría a los autores a mejorar la calidad literaria de sus dramas, elevando el nivel poético de los mismos y alejándolos de su condición de meros panfletos escenificados.
Quienes emiten estas opiniones, del todo válidas, son por lo general escritores que por diversas y variadas razones han abandonado temporal o definitivamente su país latino para radicarse en otro continente; y desde allí, con mayor distancia y perspectiva, opinan sobre la dramaturgia de su país de origen. Al oírlos no dejamos de encontrarles razón en muchas de sus afirmaciones y de inmediato nos remitimos a las debilidades conceptuales y formales de la mayoría de nuestros dramaturgos y a las carencias de nuestras "creaciones colectivas." Sin embargo, cuando inmersos en la dura realidad de nuestros respectivos países nos volcamos a la tarea de hacer teatro, esa misma realidad y sus trágicos acontecimientos se encargan de enmendarnos el rumbo, si es que alguna vez pensamos en apartarnos de él. En medio de esta contradicción estético-política se desarrolla la mayor parte de nuestro trabajo creador".
Carlos Genovese es:Actor, dramaturgo, docente y narrador oral chileno. Egresado de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile en 1970. Integrante del grupo de teatro ICTUS de Santiago, entre 1980 y 1994, donde participa como actor, autor y co-director en una veintena de montajes del grupo en Chile y en Festivales Internacionales de Teatro en América Latina, el Caribe, Estados Unidos y Europa.
Desde 1995 vive en el puerto de Valparaíso y se dedica a la docencia y a ejercer el oficio de cuenta-cuentos. Su labor destacada en este ámbito lo ha llevado a los festivales internacionales de oralidad en Argentina, Colombia, Venezuela, Paraguay y España.
Es autor de una veintena de obras estrenadas en su país y de los libros: “Las más bellas historias para ser contadas”, (relatos orales, 1999) y “Manual de Teatro Escolar” (1994), escrito en colaboración con su amigo el dramaturgo Jorge Díaz, con quien ha compartido, además, varios proyectos creativos literarios, teatrales y audiovisuales.

lunes, 6 de julio de 2009

Un cuento para hoy


Iba la PESTE camino a Bagdad cuando se encontró con Nasrudin.
Él le preguntó ¿A dónde vas?La peste le contestó: "A Bagdad, a matar a diez mil personas".
Después de un tiempo, la peste volvió a encontrarse con Nasrudín, muy enojado, le dijo:"ME MENTISTE.
Dijiste que matarías a diez mil personas y mataste a cien mil".
Y la peste respondió:

"Yo no mentí, maté diez mil,
el resto ... se murió por miedo y negligencia".

Idries Shah. El mundo de Nasrudin. Cuentos sufíes
Gentileza del Blog de la EEM 16 Florencio Molina Campos de Moreno Pcia. de Buenos Aires. (Adriana, bibliotecaria)

sábado, 4 de julio de 2009

Los teatristas de Honduras y el golpe de estado allí.

COMUNICADO DE LA COMUNIDAD HONDUREÑA DE TEATRISTAS (COMHTE) Los actores, actrices, directores, directoras, dramaturgos, dramaturgas, productores, productoras y técnicos agremiados en la Comunidad Hondureña de Teatristas (COMHTE) ante la actual situación política y social que afecta a nuestro país expresamos lo siguiente: 1-Repudiamos enérgicamente el Golpe de Estado y la ruptura del orden constitucional promovido por los sectores más retrógrados y reaccionarios del país que han culminado con la expulsión y destierro del Presidente Manuel Zelaya. 2-No reconocemos el gobierno de facto representado por el señor Roberto Micheletti. 3-Llamamos a la ciudadanía a manifestar de manera clara el deseo de retornar al cauce democrático conquistado por el pueblo hondureño a partir de la vuelta de los civiles al poder sin intromisión del ejército. 4-Llamamos a la población a la desobediencia civil patriótica y pacífica ante los usurpadores golpistas. 5-Pedimos a la Comunidad Internacional mantenerse firme en su posición de reconocer como el legítimo representante del pueblo hondureño al ciudadano José Manuel Zelaya Rosales, Presidente Constitucional electo en las urnas. Tegucigalpa M.D.C. 30 de junio de 2009. JUNTA DIRECTIVA NACIONAL COMUNIDAD HONDUREÑA DE TEATRISTAS COMHTE

lunes, 15 de junio de 2009

Ensayos de Venecia en el Teatro Municipal


El próximo lunes 22 de junio a las 21 hs. comienzan los ensayos de Venecia en el Teatro Municipal , una obra de Jorge Accame. El autor nació en 1956 en la ciudad de Buenos Aires y vive en San Salvador de Jujuy desde 1982. Allí trabaja como docente en la escuela secundaria, en el profesorado y en la Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Jujuy.
En 1997 recibió una beca de la Fundación Antorchas y participó del Programa Internacional de Escritura en la Universidad de Iowa (Estados Unidos). También fue becado por el Fondo Nacional de las Artes, por el Instituto Nacional del Teatro y por la Fundación Civitella Ranieri.
En 1986 estrenó en la provincia de Jujuy la obra Pajaritos en el balero; en 1988, Casa de Piedra y en 1990, Chingoil Compani, todas ellas representadas por el Grupo Jujeño de Teatro que dirigió Damián Guerra. En 1998 estrenó Venecia en el Teatro del Pueblo, en Buenos Aires, con la dirección de Helena Tritek, obra que continúa representándose en su tercera temporada en el teatro Payró.
En Venecia, una madama anciana y ciega que regentea un prostíbulo en San Salvador Jujuy, la Gringa, sueña con reencontrarse en la ciudad italiana con Giácomo, un hombre que la amaba y al que ella traicionó. Quiere volver a estar con él porque finalmente ha descubierto que "el amor es importante" y desea pedirle perdón antes de morir. Tres pupilas y un cliente del prostíbulo simularán con elementos cotidianos un viaje en avión y una visita a Venecia para que la Gringa pueda morir tranquila. Los esfuerzos para construir "el simulacro de viaje" constituyen una fuente inagotable de efecto cómico. Una vez que el viaje "se realiza" sus atífices ya no saben si están en Jujuy o en Venecia.
La puesta en Balcarce será dirigida por Mirta Valls, los integrantes del elenco que comenzarán a ensayar el próximo lunes son Silvia Verdina, Romina Mignano, Inés Segurola, Rubén Santinón, Silvina Pallotti y Luciano Cristaldo.

jueves, 21 de mayo de 2009

Curso a distancia con aula virtual - Gestión y Producción de Proyectos Teatrales

Talleres y cursos a distancia PROYECTOS TEATRALES: GESTIÓN Y PRODUCCIÓN 1/ con Gustavo Schraier Agosto a noviembre Para estudiantes y profesionales de cualquier disciplina artística y/o técnica relacionados con las artes escénicas así como todas aquellas personas con conocimientos básicos de ellas interesadas en conocer o formarse en la gestión y producción teatral. DESCRIPCIÓN: Este taller a distancia está dividido en cuatro módulos mensuales dictados en un Aula Virtual especialmente montada para él. Se propone brindar una capacitación en las técnicas de gestión y producción teatral formando a aquellos interesados en poner en práctica el diseño, organización, realización y promoción de proyectos teatrales de carácter independiente o alternativo. El alumno podrá comunicarse con el docente y sus compañeros mediante chats, foros y correo interno; así como acceder a textos, contenido multimedia y sitios de interés referentes al curso. Se realizarán también encuentros semanales en salas de chat para tratar temas específicos y plantear las dudas que pudieran surgir.Los conocimientos adquiridos se aplicarán en trabajos prácticos individuales y grupales sujetos a la corrección del docente.Una vez aprobado los cuatro módulos del curso se entregarán certificados. MÉTODO DE ESTUDIOS: Actividades de carácter individual y grupal. Tutorías a través de correo electrónico. Cada módulo se organiza por unidades temáticas y cada semana estará disponible en el Aula Virtual una clase elaborada por el docente sobre un nuevo tema. Los alumnos accederán a esa clase y a una bibliografía de lectura obligatoria. Según el tema podrán acceder a ejercitaciones, bibliografía ampliatoria y/o enlaces a otras lecturas, programas o sitios de interés. El docente a cargo del curso acompañará, orientará y animará el proceso de aprendizaje en las instancias individuales y en las interacciones de aprendizaje colectivo una vez a la semana en horario determinado. El docente diseñará trabajos prácticos para los alumnos al finalizar cada módulo. Estos trabajos fomentarán el intercambio y aprovechamiento de los conocimientos y experiencias de los alumnos y el análisis y la discusión sobre la aplicabilidad e integración de los nuevos conocimientos a la práctica profesional. Se indicarán oportunamente las fechas de entrega para la corrección de los trabajos. CARGA HORARIA: Dedicacion semanal promedio de 4 a 6 horas, dependiendo del propio ritmo de estudio. Carga horaria estimada del curso completo: 70 horas. EVALUACIÓN: La evaluación de los alumnos en cada módulo se realizará a través de trabajos prácticos y de evaluaciones parciales en línea. La evaluación final de los aprendizajes consistirá en la presentación de un trabajo individual elaborado con orientación del docente a lo largo del Curso y con el aporte de discusiones grupales del tema a través de los Foros de intercambio. Los trabajos prácticos podrán ser informes escritos breves, búsquedas bibliográficas, análisis de casos, resolución de problemas u otras modalidades según los objetivos de la unidad temática. Se realizará también el seguimiento de la participación de los alumnos evaluando el grado y la calidad de las participaciones en los foros. Evaluación de apreciación del Curso: Al finalizar el Curso se realizará una encuesta de opinión on-line para que los alumnos evalúen la calidad y el grado de aprovechamiento de la formación recibida. BIBLIOGRAFIA: Se trabajará durante el desarrollo de este curso con la guía del texto “Laboratorio de Producción Teatral 1, Técnicas de gestión y producción aplicadas a proyectos alternativos”. Se entregarán además apuntes adicionales de otros autores.
GUSTAVO SCHRAIER. Productor ejecutivo y artístico profesional. Coordinador de Producción Artística del Complejo Teatral de Buenos Aires desde 2000. Trabajó entre otros con Jorge Lavelli, Lluís Pasqual, Robert Sturua, Carlos Gandolfo, Rubén Szuchmacher, Laura Yusem, Luciano Suardi, Alfredo Arias. Productor ejecutivo de “Disney´s La bella y la bestia”, “Fausto versión 3.0” por La Fura del Baus, y “Carmen” por la Cuadra de Sevilla. Director de producción y gerente de programación artística del área de Artes de la Representación de la Fundación Banco Patricios desde 1992 hasta su cierre en 1998. Docente de gestión y producción escénica en distintos ámbitos públicos y privados de la Ciudad de Buenos Aires y del interior del país. Asistente técnico en gestión y producción ejecutiva del Instituto Nacional del Teatro. Autor del libro “Laboratorio de producción teatral 1, técnicas de gestión y producción aplicadas a proyectos alternativos”, editado por el Instituto Nacional del Teatro en Argentina.
Arancel: Argentina: $ 240 mensuales. Mercosur: u$s 68 mensuales. América Latina: U$S 100 mensuales. Resto del mundo: U$S 142 mensualesFormas de pago: Argentina: Depósitos o transferencias bancarias. PagoFácil y RapiPago. Resto del mundo: Western Union y Money Gramm. Los costos de transferencia serán a cargo del tallerista.

Más información: correo@celct.org.ar

Un espacio de encuentro entre los teatristas iberoamericanos.
Enviá un correo electrónico a http://ar.mc332.mail.yahoo.com/mc/compose?to=foro@celcit.org.ar con el Asunto: SUSCRIBIR AL FORO DIRECTORIO DEL TEATRO IBEROAMERICANO
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CELCIT-Argentina. Moreno 431. (1091) Buenos Aires. Teléfono: (5411) 4342-1026 http://www.celcit.org.ar/.
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miércoles, 29 de abril de 2009

Algunas máscaras y personajes de la Commeddia dell' Arte

Il Dottore, el Capitán Matamoros y Fosca








Brighella, Arlechino y Andrógina








Brighella




















Pantalone





















Arlequín



















Pagliaccio




















Colombina
















Il Dottore




















Pierrot y Arlequín







Un poco de historia... que llega hasta nuestros días, La Commeddia dell' Arte

En la Italia del S. XVI nació un estilo teatral revolucionario en base a la improvisación, que hoy conocemos como la Commedia dell’Arte. Un teatro itinerante que nace un poco en cada uno de los lugares a los que va, tomando siempre que puede, de sus gentes las historias y del día a día sus costumbres, para hacer participes a los espectadores de la improvisación de los actores y de este modo, conseguir que el enredo de la obra gane en frescura y dinamismo, llevando a los personajes a un sin fin de locas situaciones. En él, un grupo de actores, especializados cada uno en un personaje que interpretaría durante toda su vida, realizaban una crítica y parodia social en base a un boceto de historia (canovaccio) recurriendo a improvisaciones, canciones, danzas, acrobacias y pantomimas. El resultado fue un fenómeno de masas que llenó de arlequines, capitanos, zanni y demás personajes de este espectacular género, todas las plazas y escenarios de Europa durante tres siglos.
Por
desgracia, este estilo teatral fue perseguido y prohibido en varias ocasiones hasta que la presión del poder y la evolución del mismo género acabó enterrando sus raíces y fue olvidado por todos. El Teatro del Lazzi se suma a las compañías que siguen luchando por mantener vivo el espíritu de la Commedia dell’Arte en su etapa más viva y espectacular. Siguiendo el mismo esquema que los actores de antaño, con la frescura de entonces pero en el momento actual, convirtiendo sus espectáculos en un viaje al pasado para llegar al presente a través de la carcajada.

martes, 28 de abril de 2009

Artistas en lucha de resistencia



Buenos Aires, Viernes 24 de Abril de 2009

CARTA ABIERTA – ORQUESTA ACADÉMICA DEL TEATRO COLÓN

Los integrantes de la Orquesta Académica del Teatro Colón informamos que, luego de trece años de existencia y actividad ininterrumpida de la misma, las actuales autoridades del teatro han decidido cerrarla.
Bajo el pretexto de reorganizarla, no solo han dejado a un lado el proyecto que funcionaba activamente (audiciones anuales, programación de conciertos, objetivos formativos, etc.), sino que también han expulsado a los actuales integrantes.
La OATC es una de las pocas orquestas juveniles del país, donde los jóvenes realizan un intenso curso de perfeccionamiento orquestal.
Hasta el momento, no hemos recibido ningún tipo de explicación por parte de la dirección del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, a cargo de la Lic. Ana Massone -del cual dependemos-, ni del director del teatro, Pedro Pablo García Caffi; quienes anularon las audiciones realizadas durante la gestión anterior y cancelaron los compromisos con salas de conciertos asumidos con anticipación.
Nuestra forma de resistencia se traduce ensayando asiduamente pese a los nulos recursos materiales que poseemos en este momento (sala de ensayo, atriles, archivo de música, becas, etc.), y brindando un concierto el próximo sábado 30 de mayo a las 18 hs en el Auditorio de Facultad de Derecho.

Se agradece su difusión.

Integrantes de la Orquesta Académica