lunes, 7 de septiembre de 2009
sábado, 5 de septiembre de 2009
Acá estoy chico cuando era yo
UNICAMENTE ESTE FIN DE SEMANA
Acá estoy chico cuando era yo, un espectáculo en el que los actores re-viven y reinventan algunas de sus historias familiares más antiguas, aquellas que los marcaron cuando todavía no les preocupaba si serían verdaderas o una simple fábula familiar.
Mientras cuentan … recuerdan, y en el recuerdo todo se mezcla, “¿lo vi o me lo contaron?”; “¿lo viví o lo soñé. Relatos, susurros, fotos y videos, todos juntos cuentan, y no nos dejan mentir… o si?
Se trata de una creación grupal, construida en base a recuerdos familiares reales de los actores. Un largo buceo por coincidencias generacionales, diferencias regionales, gustos, dichos, rituales familiares (no tan familiares para los demás), y ante todo por esas palabras repetidas, esas historias escuchadas una y mil veces, aprendidas sin querer. Largo viaje interior que sale al fin a la luz, todo junto, mezclado, cortado, superpuesto, como los recuerdos.
Ficha Técnica
Actúan Belén Errendasoro, Paula Fernández, Christian Roig y Sergio Sansosti,
convocados por la idea y dirección general de Gabriela González.
Asisten con los artilugios técnicos Pehuén Guitérrez y Alejandro Indio Ramírez Llorens, quien diseña luces mientras arregla circuitos; en vestuario y objetos apuntala Alejandro Páez.
Como todo queda en familia, el vestuario fue realizado por la mano experta de Guillermo González y Nélida Salguero;
el asesoramiento en dicción quedó a cargo de Hilda Candia de Roig y las voces en off fueron robadas, no siempre con consentimiento, a Juan Roig, Horacio Sansosti y Susana Roig.
Jerónimo Ruiz supo captar la esencia yuxtapuesta y caótica del recuerdo, y generar los temas musicales que acompañan el recorrido de los actores durante el espectáculo.
Los videos fueron realizados cuadro a cuadro por Sergio Sansosti, -actor pero también Ingeniero- tuvo que poner todas sus dotes a prueba haciendo, además, software específico, la página web y el afiche de promoción.
También Christian Roig usó sus conocimientos de Sistemas para crear el diseño de postales y la página en Facebook del espectáculo.
Sábado 5 y Domingo 6 de Septiembre a las 20:00 hs (los dos días) (sábado antes del partido Argentina-Brasil).
Teatro La Fábrica, Pinto 367,Tandil.
Dos únicas funciones en Tandil.
lunes, 31 de agosto de 2009
La obra teatral “Dos Gallos Ciegos” llega a los escenarios pilarenses
Se estrenará el próximo 12 de septiembre en la Casa de la Cultura de Del Viso. Cuenta con las actuaciones de Hugo Alba y Ernesto Sigaud y la dirección de Jorge “Titi” Villar. Una historia que desnuda el trato que le damos a nuestros abuelos y sus peleas por mantenerse vivos y con sueños por alcanzar, pese a la edad.
El próximo 12 de septiembre se estrenará por primera vez la obra teatral “Dos Gallos Ciegos” en las instalaciones de la Casa de la Cultura de Del Viso.
La pieza, que llega a Pilar de la mano del Grupo Face Teatro, cuenta con las actuaciones de Hugo Alba y Ernesto Sigaud y la dirección de Jorge “Titi” Villar.
La cita será a partir de las 20.30 y las entradas estarán a la venta desde el próximo 1º de septiembre en esa casa cultural ubicada en Ruta 26 y Luis María Gonnet.
“Dos Gallos Ciegos” es una obra teatral que fue escrita por Alberto Cattán y narra la historia de dos “viejos” de 77 años – Carmelo Belladona y Braulio Pérez - que, sentados en un banco de plaza, rememoran las épocas de la juventud y al mismo tiempo sufren, la sociedad de consumo, la soledad, la falta de valores, las faltas de respeto y el miedo a la muerte se conjugan en la trama de una obra que pone de manifiesto el lugar que la sociedad les ha dado a los viejos.
Pero también, los sueños, las añoranzas del tiempo pasado y el valor de la amistad y la compañía ponen a estos dos personajes en situaciones cómicas y al mismo tiempo muy emocionantes.
El próximo 12 de septiembre será el estreno nacional de la pieza teatral ya que desde que su autor la escribió, en el año 2000, nunca se representó.
Después de la presentación en la Casa de la Cultura , “Dos Gallos Ciegos” y el grupo Face Teatro emprenderá una gira que los llevará por distintos puntos de la provincia de Buenos Aires.
Para reservar entradas: Casa de la Cultura de Del Viso
Gonnet y Ruta 26
Teléfono: 02320-409360
viernes, 14 de agosto de 2009
Alberto Vacarezza: Una evocación del gran sainetero criollo.
Hace 50 años moría el creador de El conventillo de la Paloma y gran defensor de los derechos de los autores y actores argentinos.
A 50 años de su muerte, se evoca la figura de Alberto Vacarezza, un hombre de la cultura porteña que bregó por el bienestar social de autores y actores, y marcó con su escritura un hito muy importante de nuestra dramaturgia nacional. Fue uno de los cultores más generosos del sainete criollo y un mimado del público porteño. Como dato ilustrativo, cabe mencionar que el 29 de mayo de 1930 el autor celebró las mil representaciones de El conventillo de la Paloma, una de las obras que más ha perdurado en la memoria de la gente.
Bartolomé Angel Venancio Vacarezza, más conocido como Alberto, nació el 1º de abril de 1886 y fue, es muy justo reconocerlo, uno de los mayores autores de sainetes porteños de principio de siglo. Ya desde su juventud, se vislumbraba el talento que tenía para la dramaturgia, pero, mientras tanto, se desempeñaba como rematador de muebles y empleado judicial en el Juzgado de Paz de Triunvirato y Canning. Fue la recomposición social que se estaba gestando en Buenos Aires, a principios del siglo XX, con la inserción de las corrientes inmigratorias la que inspiró su vocación autoral.
Su primera obra fue El juzgado , que se estrenó el 20 de marzo de 1903 en el salón Il Risogimento, de Villa Crespo, con la dirección de Mario Perelli. En 1911, ganó el primer concurso de sainetes que impulsó Pascual Carcavallo, en El Nacional con Los scruchantes. Alentado por su compañero de estudios y amigo Armando Discépolo, a partir de este momento, se dedicó al teatro con la preocupación de rescatar personajes populares y un lenguaje barrial que también lo acercaron al tango. En 1921 con música de Enrique Delfino, escribió el famosísimo tango "La copa del olvido", que al año siguiente grabó Gardel en una memorable versión.
Inquieto y curioso por encontrar nuevos formas de expresarse, Vacarezza también se transformó en un hombre de radio, como charlista breve y autor de cantidad de guiones para propuestas de diverso tipo. Escribió poemas sencillos que recitaba por la radio y que, posteriormente, fueron editados en libros, como por ejemplo: "La Biblia gaucha", "Dijo Martín Fierro" y "Cantos de la vida y de la tierra".
También desarrolló una intensa actividad gremial, tanto en Argentores (Sociedad Argentina de Autores), como en La Casa del Teatro. Fue de los primeros en luchar para conseguir el aporte de los propietarios de las salas teatrales.
EL GRAN SAINETERO. El 6 de agosto de 1959, Alberto Vacarezza falleció en Buenos Aires, pero su recuerdo quedará siempre presente a través de una obra que enriqueció al teatro argentino, valioso aporte creativo a la cultura de una ciudad en permanente crecimiento.
Dijo Luis Ordaz, en Historia del teatro argentino, "Las petipiezas de Alberto Vacarezza pueden ejemplificar perfectamente la línea intermedia que se ubica entre las burlas pícaras y el jugueteo sentimental del sainete, con antecedente hispano Vacarezza es un fabulista pinturero del arrabal y sus gentes? Se dedica a «recrear» máscaras prototípicas de compadres, compadritos, gabiones, paicas y grelas de variada estirpe y macchiettas que buscan personalizar tipos genéricos de la inmigración. Vacarezza es un romanceador magnífico de tipos teatrales que habitan y componen un arrabal muy particular. Un arrabal o un patio de conventillo que para el caso es lo mismo. Sin dudas, es el último gran maestro del sainete, para cuya elaboración repentista posee una verba galana y colorida, y una facilidad pasmosa. Tiene el talento que les falta a los que suponen que no es necesario tenerlo para hilvanar las peripecias de un sainete y que son, en definitiva, quienes llevan el género a su crisis y a su desaparición".
La fórmula del sainete de Vacarezza se encuentra en la obra La comparsa se despide (1932), en boca del personaje Serpentina: "Poca cosa:/un patio de conventiyo,/ un italiano encargado,/ un yoyega retobado,/ una percanta, un vivillo./ Dos malevos de cuchillo,/ un chamuyo, una pasión,/ choques, celos, discusión,/ desafío, puñalada,/ aspamento, disparada/ auxilio, cana y telón./ Y debajo de todo eso,/ tan sencillo al parecer,/ debe el sainete tener/ rellenando su armazón/ la humanidad, la emoción,/ la alegría, los donaires/ y el color de Buenos Aires/ metido en el corazón".
Si se ahonda un poco en la esencia de los sainetes de Vacarezza, se perciben tramas ingenuas, con moralejas casi de cuentos de hadas, en donde el malo es vencido y el bueno (un guapo bueno, pues siempre lo hay) habrá de jugarse para salvar a la muchachita, en el fondo sentimental y carente de maldad, que va a ser o ya ha sido malamente engañada. No son los tipos ni los problemas lo que en verdad preocupa y atrae en un sainete de Vacarezza, sino la frescura y el colorido de sus juegos verbales, especialmente cuando utiliza el verso. Un ejemplo de su talento lo da la recreación, a pedido de su amigo José González Castillo, del soneto clásico que Lope de Vega escribió ante la solicitud de Violante. "Un soneto me manda hacer Castillo/ y pa´ poder zafar de este brete/ en lugar de un soneto haré un sainete/ que para mí es trabajo más sencillo./ La escena representa un conventillo;/ personajes: un grébano amarrete,/ un gallego que en todo se entromete/ una grela, dos taitas y un vivillo./ Se levanta el telón, una disputa/ se entabla entre el yoyega y el goruta,/ de la que saca el rana pa´l completo./ El guapo despreciao por la garaba/ se arremanga pa´l final, y viene la biaba,/ y se acaba el sainete. . . y el soneto."
Susana Freire. La Nación. 9 de agosto de 2009. (Fuente: BOLETÍN El CELCIT EN ACCIÓN - 481)
A 50 años de su muerte, se evoca la figura de Alberto Vacarezza, un hombre de la cultura porteña que bregó por el bienestar social de autores y actores, y marcó con su escritura un hito muy importante de nuestra dramaturgia nacional. Fue uno de los cultores más generosos del sainete criollo y un mimado del público porteño. Como dato ilustrativo, cabe mencionar que el 29 de mayo de 1930 el autor celebró las mil representaciones de El conventillo de la Paloma, una de las obras que más ha perdurado en la memoria de la gente.Bartolomé Angel Venancio Vacarezza, más conocido como Alberto, nació el 1º de abril de 1886 y fue, es muy justo reconocerlo, uno de los mayores autores de sainetes porteños de principio de siglo. Ya desde su juventud, se vislumbraba el talento que tenía para la dramaturgia, pero, mientras tanto, se desempeñaba como rematador de muebles y empleado judicial en el Juzgado de Paz de Triunvirato y Canning. Fue la recomposición social que se estaba gestando en Buenos Aires, a principios del siglo XX, con la inserción de las corrientes inmigratorias la que inspiró su vocación autoral.
Su primera obra fue El juzgado , que se estrenó el 20 de marzo de 1903 en el salón Il Risogimento, de Villa Crespo, con la dirección de Mario Perelli. En 1911, ganó el primer concurso de sainetes que impulsó Pascual Carcavallo, en El Nacional con Los scruchantes. Alentado por su compañero de estudios y amigo Armando Discépolo, a partir de este momento, se dedicó al teatro con la preocupación de rescatar personajes populares y un lenguaje barrial que también lo acercaron al tango. En 1921 con música de Enrique Delfino, escribió el famosísimo tango "La copa del olvido", que al año siguiente grabó Gardel en una memorable versión.
Inquieto y curioso por encontrar nuevos formas de expresarse, Vacarezza también se transformó en un hombre de radio, como charlista breve y autor de cantidad de guiones para propuestas de diverso tipo. Escribió poemas sencillos que recitaba por la radio y que, posteriormente, fueron editados en libros, como por ejemplo: "La Biblia gaucha", "Dijo Martín Fierro" y "Cantos de la vida y de la tierra".
También desarrolló una intensa actividad gremial, tanto en Argentores (Sociedad Argentina de Autores), como en La Casa del Teatro. Fue de los primeros en luchar para conseguir el aporte de los propietarios de las salas teatrales.
EL GRAN SAINETERO. El 6 de agosto de 1959, Alberto Vacarezza falleció en Buenos Aires, pero su recuerdo quedará siempre presente a través de una obra que enriqueció al teatro argentino, valioso aporte creativo a la cultura de una ciudad en permanente crecimiento.
Dijo Luis Ordaz, en Historia del teatro argentino, "Las petipiezas de Alberto Vacarezza pueden ejemplificar perfectamente la línea intermedia que se ubica entre las burlas pícaras y el jugueteo sentimental del sainete, con antecedente hispano Vacarezza es un fabulista pinturero del arrabal y sus gentes? Se dedica a «recrear» máscaras prototípicas de compadres, compadritos, gabiones, paicas y grelas de variada estirpe y macchiettas que buscan personalizar tipos genéricos de la inmigración. Vacarezza es un romanceador magnífico de tipos teatrales que habitan y componen un arrabal muy particular. Un arrabal o un patio de conventillo que para el caso es lo mismo. Sin dudas, es el último gran maestro del sainete, para cuya elaboración repentista posee una verba galana y colorida, y una facilidad pasmosa. Tiene el talento que les falta a los que suponen que no es necesario tenerlo para hilvanar las peripecias de un sainete y que son, en definitiva, quienes llevan el género a su crisis y a su desaparición".
La fórmula del sainete de Vacarezza se encuentra en la obra La comparsa se despide (1932), en boca del personaje Serpentina: "Poca cosa:/un patio de conventiyo,/ un italiano encargado,/ un yoyega retobado,/ una percanta, un vivillo./ Dos malevos de cuchillo,/ un chamuyo, una pasión,/ choques, celos, discusión,/ desafío, puñalada,/ aspamento, disparada/ auxilio, cana y telón./ Y debajo de todo eso,/ tan sencillo al parecer,/ debe el sainete tener/ rellenando su armazón/ la humanidad, la emoción,/ la alegría, los donaires/ y el color de Buenos Aires/ metido en el corazón".
Si se ahonda un poco en la esencia de los sainetes de Vacarezza, se perciben tramas ingenuas, con moralejas casi de cuentos de hadas, en donde el malo es vencido y el bueno (un guapo bueno, pues siempre lo hay) habrá de jugarse para salvar a la muchachita, en el fondo sentimental y carente de maldad, que va a ser o ya ha sido malamente engañada. No son los tipos ni los problemas lo que en verdad preocupa y atrae en un sainete de Vacarezza, sino la frescura y el colorido de sus juegos verbales, especialmente cuando utiliza el verso. Un ejemplo de su talento lo da la recreación, a pedido de su amigo José González Castillo, del soneto clásico que Lope de Vega escribió ante la solicitud de Violante. "Un soneto me manda hacer Castillo/ y pa´ poder zafar de este brete/ en lugar de un soneto haré un sainete/ que para mí es trabajo más sencillo./ La escena representa un conventillo;/ personajes: un grébano amarrete,/ un gallego que en todo se entromete/ una grela, dos taitas y un vivillo./ Se levanta el telón, una disputa/ se entabla entre el yoyega y el goruta,/ de la que saca el rana pa´l completo./ El guapo despreciao por la garaba/ se arremanga pa´l final, y viene la biaba,/ y se acaba el sainete. . . y el soneto."
Susana Freire. La Nación. 9 de agosto de 2009. (Fuente: BOLETÍN El CELCIT EN ACCIÓN - 481)
miércoles, 22 de julio de 2009
Ficción y realidad - Crónica de un caso chileno, Por Carlos Genovese - 2da. Entrega
PRIMAVERA CON UNA ESQUINA ROTA
En el invierno de 1984 el grupo ICTUS, al cual pertenezco desde 1980, estrenaba en Santiago de Chile la adaptación de la novela homónima del escritor uruguayo Mario Benedetti, Primavera con una esquina rota. Se trataba entonces de una obra sobre el exilio en todas sus formas. El exilio exterior de una familia uruguaya obligada a dejar su país después del golpe militar de 1973 y el exilio interior del jefe del hogar quien debía permanecer prisionero durante cinco años en una cárcel para presos políticos en Montevideo. La similitud de las experiencias políticas entre Uruguay y Chile, la necesidad de tratar el tema del exilio con su carga de desintegración y muerte, la posibilidad de reflexionar sobre el impacto que las dictaduras militares provocan sobre toda la sociedad que las padece y en particular la situación vivida en el Cono Sur de América Latina, llevaron a nuestro teatro a elegir y montar esta obra.
En el mes de marzo de 1985 y al cabo de nueve meses de funciones, los que participábamos en dicho montaje fuimos sacudidos por un hecho político de macabras características: el secuestro y posterior asesinato por degollamiento de tres profesionales comunistas a manos de un grupo armado, presumiblemente integrado por miembros de las Fuerzas Armadas de nuestro país.
Una de las víctimas era el joven sociólogo José Manuel Parada (36 años), hijo del veterano actor Roberto Parada (76 años), uno de los protagonistas de la obra de Benedetti. Pasados los primeros días del horror y del espanto, sobrepuestos al hecho de conocer la noticia del crimen en medio de una función de Primavera… , que Parada se negó a suspender transformándolo en un homenaje a su hijo asesinado, seguimos adelante con nuestras presentaciones.
Sin embargo, rápidamente nos dimos cuenta que el sentido de la obra se había
modificado en virtud de la percepción nueva que el público tenía de ella. El tema del exilio, sin dejar de ser importante, pasaba a un segundo plano y los santiaguinos seguían ahora la obra como un alegato contra la prisión, la tortura y el crimen institucionalizados.
Los énfasis que los actores poníamos en determinadas escenas fueron cambiando perceptiblemente y algunos parlamentos adquirieron nuevas significaciones a la luz de los hechos.
Así, por ejemplo, cuando don Rafael, el abuelo uruguayo interpretado por Roberto Parada, decía: "Cuando revientan a un militante, como fue el caso de mi hijo y arrojan a su familia al exilio involuntario… ¡Desgarran el tiempo! ¡Trastruecan la historia! No sólo para ese mínimo clan, sino que corrompen los cimientos de toda la sociedad."
Un silencio estremecedor llenaba la platea, conmovida por la imagen de ese hombre que en la vida real debió soportar, primero el exilio de su propia hija y después el asesinato de su único hijo.
Primavera con una esquina rota que fuera en la fecha de su estreno concebida como
una obra con una estructura de protagonistas abierta, polivalente, en la que el espectador podía seguir su trama a través de cualquiera de sus cinco personajes protagónicos, se nos transformó en otra, cada vez más centrada en el drama del viejo profesor universitario interpretado por Parada, que sufre al no poder reunirse con su hijo.
Su angustia y sus contradicciones se convirtieron en un poderoso eje que captaba gran parte de la atención y la emotividad del espectador. Lo que en nuestra jerga, en ICTUS, llamamos "el efecto modificador del público", se cumplía aquí a cabalidad. Y si pensamos que ese público había sido modificado a su vez, por la triste realidad de un país sometido, la respuesta a la pregunta ¿quién modifica a quién? se transformaba en una espiral sin fin. Y no se trataba en este caso de una incapacidad artística nuestra, para manejar y conducir un material dramático que conocíamos a la perfección, después de siete meses de ensayos y otros tantos de funciones.
Existía un elemento de la realidad objetiva tan contundente y palpable que nadie podía ignorarlo o librarse de su influjo modificador.
En el invierno de 1984 el grupo ICTUS, al cual pertenezco desde 1980, estrenaba en Santiago de Chile la adaptación de la novela homónima del escritor uruguayo Mario Benedetti, Primavera con una esquina rota. Se trataba entonces de una obra sobre el exilio en todas sus formas. El exilio exterior de una familia uruguaya obligada a dejar su país después del golpe militar de 1973 y el exilio interior del jefe del hogar quien debía permanecer prisionero durante cinco años en una cárcel para presos políticos en Montevideo. La similitud de las experiencias políticas entre Uruguay y Chile, la necesidad de tratar el tema del exilio con su carga de desintegración y muerte, la posibilidad de reflexionar sobre el impacto que las dictaduras militares provocan sobre toda la sociedad que las padece y en particular la situación vivida en el Cono Sur de América Latina, llevaron a nuestro teatro a elegir y montar esta obra.
En el mes de marzo de 1985 y al cabo de nueve meses de funciones, los que participábamos en dicho montaje fuimos sacudidos por un hecho político de macabras características: el secuestro y posterior asesinato por degollamiento de tres profesionales comunistas a manos de un grupo armado, presumiblemente integrado por miembros de las Fuerzas Armadas de nuestro país.
Una de las víctimas era el joven sociólogo José Manuel Parada (36 años), hijo del veterano actor Roberto Parada (76 años), uno de los protagonistas de la obra de Benedetti. Pasados los primeros días del horror y del espanto, sobrepuestos al hecho de conocer la noticia del crimen en medio de una función de Primavera… , que Parada se negó a suspender transformándolo en un homenaje a su hijo asesinado, seguimos adelante con nuestras presentaciones.
Sin embargo, rápidamente nos dimos cuenta que el sentido de la obra se había
modificado en virtud de la percepción nueva que el público tenía de ella. El tema del exilio, sin dejar de ser importante, pasaba a un segundo plano y los santiaguinos seguían ahora la obra como un alegato contra la prisión, la tortura y el crimen institucionalizados.Los énfasis que los actores poníamos en determinadas escenas fueron cambiando perceptiblemente y algunos parlamentos adquirieron nuevas significaciones a la luz de los hechos.
Así, por ejemplo, cuando don Rafael, el abuelo uruguayo interpretado por Roberto Parada, decía: "Cuando revientan a un militante, como fue el caso de mi hijo y arrojan a su familia al exilio involuntario… ¡Desgarran el tiempo! ¡Trastruecan la historia! No sólo para ese mínimo clan, sino que corrompen los cimientos de toda la sociedad."
Un silencio estremecedor llenaba la platea, conmovida por la imagen de ese hombre que en la vida real debió soportar, primero el exilio de su propia hija y después el asesinato de su único hijo.
Primavera con una esquina rota que fuera en la fecha de su estreno concebida como
una obra con una estructura de protagonistas abierta, polivalente, en la que el espectador podía seguir su trama a través de cualquiera de sus cinco personajes protagónicos, se nos transformó en otra, cada vez más centrada en el drama del viejo profesor universitario interpretado por Parada, que sufre al no poder reunirse con su hijo.Su angustia y sus contradicciones se convirtieron en un poderoso eje que captaba gran parte de la atención y la emotividad del espectador. Lo que en nuestra jerga, en ICTUS, llamamos "el efecto modificador del público", se cumplía aquí a cabalidad. Y si pensamos que ese público había sido modificado a su vez, por la triste realidad de un país sometido, la respuesta a la pregunta ¿quién modifica a quién? se transformaba en una espiral sin fin. Y no se trataba en este caso de una incapacidad artística nuestra, para manejar y conducir un material dramático que conocíamos a la perfección, después de siete meses de ensayos y otros tantos de funciones.
Existía un elemento de la realidad objetiva tan contundente y palpable que nadie podía ignorarlo o librarse de su influjo modificador.
martes, 14 de julio de 2009
Ficción y realidad: Crónica de un caso chileno Por Carlos Genovese - 1era. Entrega
"En diversos foros internacionales y a lo largo del tiempo, hemos escuchado en más de una oportunidad la crítica que algunos escritores hacen al teatro latinoamericano por su tendencia a obras de tema político excesivamente contingentes y por lo mismo, de fácil llegada a un público generalmente ávido de ver sobre el escenario los conflictos sociales que lo preocupan y conmueven. De acuerdo con esas críticas este tipo de producciones impediría el florecimiento de una dramaturgia local más sólida, con obras de temas más trascendentes y perdurables, lo que necesariamente obligaría a los autores a mejorar la calidad literaria de sus dramas, elevando el nivel poético de los mismos y alejándolos de su condición de meros panfletos escenificados.
Quienes emiten estas opiniones, del todo válidas, son por lo general escritores que por diversas y variadas razones han abandonado temporal o definitivamente su país latino para radicarse en otro continente; y desde allí, con mayor distancia y perspectiva, opinan sobre la dramaturgia de su país de origen. Al oírlos no dejamos de encontrarles razón en muchas de sus afirmaciones y de inmediato nos remitimos a las debilidades conceptuales y formales de la mayoría de nuestros dramaturgos y a las carencias de nuestras "creaciones colectivas." Sin embargo, cuando inmersos en la dura realidad de nuestros respectivos países nos volcamos a la tarea de hacer teatro, esa misma realidad y sus trágicos acontecimientos se encargan de enmendarnos el rumbo, si es que alguna vez pensamos en apartarnos de él. En medio de esta contradicción estético-política se desarrolla la mayor parte de nuestro trabajo creador".
Quienes emiten estas opiniones, del todo válidas, son por lo general escritores que por diversas y variadas razones han abandonado temporal o definitivamente su país latino para radicarse en otro continente; y desde allí, con mayor distancia y perspectiva, opinan sobre la dramaturgia de su país de origen. Al oírlos no dejamos de encontrarles razón en muchas de sus afirmaciones y de inmediato nos remitimos a las debilidades conceptuales y formales de la mayoría de nuestros dramaturgos y a las carencias de nuestras "creaciones colectivas." Sin embargo, cuando inmersos en la dura realidad de nuestros respectivos países nos volcamos a la tarea de hacer teatro, esa misma realidad y sus trágicos acontecimientos se encargan de enmendarnos el rumbo, si es que alguna vez pensamos en apartarnos de él. En medio de esta contradicción estético-política se desarrolla la mayor parte de nuestro trabajo creador".
Carlos Genovese es:Actor, dramaturgo, docente y narrador oral chileno. Egresado de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile en 1970. Integrante del grupo de teatro ICTUS de Santiago, entre 1980 y 1994, donde participa como actor, autor y co-director en una veintena de montajes del grupo en Chile y en Festivales Internacionales de Teatro en América Latina, el Caribe, Estados Unidos y Europa.
Desde 1995 vive en el puerto de Valparaíso y se dedica a la docencia y a ejercer el oficio de cuenta-cuentos. Su labor destacada en este ámbito lo ha llevado a los festivales internacionales de oralidad en Argentina, Colombia, Venezuela, Paraguay y España.
Es autor de una veintena de obras estrenadas en su país y de los libros: “Las más bellas historias para ser contadas”, (relatos orales, 1999) y “Manual de Teatro Escolar” (1994), escrito en colaboración con su amigo el dramaturgo Jorge Díaz, con quien ha compartido, además, varios proyectos creativos literarios, teatrales y audiovisuales.
Desde 1995 vive en el puerto de Valparaíso y se dedica a la docencia y a ejercer el oficio de cuenta-cuentos. Su labor destacada en este ámbito lo ha llevado a los festivales internacionales de oralidad en Argentina, Colombia, Venezuela, Paraguay y España.
Es autor de una veintena de obras estrenadas en su país y de los libros: “Las más bellas historias para ser contadas”, (relatos orales, 1999) y “Manual de Teatro Escolar” (1994), escrito en colaboración con su amigo el dramaturgo Jorge Díaz, con quien ha compartido, además, varios proyectos creativos literarios, teatrales y audiovisuales.
lunes, 6 de julio de 2009
Un cuento para hoy
Iba la PESTE camino a Bagdad cuando se encontró con Nasrudin.
Él le preguntó ¿A dónde vas?La peste le contestó: "A Bagdad, a matar a diez mil personas".
Él le preguntó ¿A dónde vas?La peste le contestó: "A Bagdad, a matar a diez mil personas".
Después de un tiempo, la peste volvió a encontrarse con Nasrudín, muy enojado, le dijo:"ME MENTISTE.
Dijiste que matarías a diez mil personas y mataste a cien mil".
Y la peste respondió:
"Yo no mentí, maté diez mil,
el resto ... se murió por miedo y negligencia".
Dijiste que matarías a diez mil personas y mataste a cien mil".
Y la peste respondió:
"Yo no mentí, maté diez mil,
el resto ... se murió por miedo y negligencia".
Gentileza del Blog de la EEM 16 Florencio Molina Campos de Moreno Pcia. de Buenos Aires. (Adriana, bibliotecaria)
sábado, 4 de julio de 2009
Los teatristas de Honduras y el golpe de estado allí.
COMUNICADO DE LA COMUNIDAD HONDUREÑA DE TEATRISTAS (COMHTE) Los actores, actrices, directores, directoras, dramaturgos, dramaturgas, productores, productoras 
y técnicos agremiados en la Comunidad Hondureña de Teatristas (COMHTE) ante la actual situación política y social que afecta a nuestro país expresamos lo siguiente: 1-Repudiamos enérgicamente el Golpe de Estado y la ruptura del orden constitucional promovido por los sectores más retrógrados y reaccionarios del país que han culminado con la expulsión y destierro del Presidente Manuel Zelaya. 2-No reconocemos el gobierno de facto representado por el señor Roberto Micheletti. 3-Llamamos a la ciudadanía a manifestar de manera clara el deseo de retornar al cauce democrático conquistado por el pueblo hondureño a partir de la vuelta de los civiles al poder sin intromisión del ejército. 4-Llamamos a la población a la desobediencia civil patriótica y pacífica ante los usurpadores golpistas. 5-Pedimos a la Comunidad 
Internacional mantenerse firme en su posición de reconocer como el legítimo representante del pueblo hondureño al ciudadano José Manuel Zelaya Rosales, Presidente Constitucional electo en las urnas. Tegucigalpa M.D.C. 30 de junio de 2009. JUNTA DIRECTIVA NACIONAL COMUNIDAD HONDUREÑA DE TEATRISTAS COMHTE
y técnicos agremiados en la Comunidad Hondureña de Teatristas (COMHTE) ante la actual situación política y social que afecta a nuestro país expresamos lo siguiente: 1-Repudiamos enérgicamente el Golpe de Estado y la ruptura del orden constitucional promovido por los sectores más retrógrados y reaccionarios del país que han culminado con la expulsión y destierro del Presidente Manuel Zelaya. 2-No reconocemos el gobierno de facto representado por el señor Roberto Micheletti. 3-Llamamos a la ciudadanía a manifestar de manera clara el deseo de retornar al cauce democrático conquistado por el pueblo hondureño a partir de la vuelta de los civiles al poder sin intromisión del ejército. 4-Llamamos a la población a la desobediencia civil patriótica y pacífica ante los usurpadores golpistas. 5-Pedimos a la Comunidad 
Internacional mantenerse firme en su posición de reconocer como el legítimo representante del pueblo hondureño al ciudadano José Manuel Zelaya Rosales, Presidente Constitucional electo en las urnas. Tegucigalpa M.D.C. 30 de junio de 2009. JUNTA DIRECTIVA NACIONAL COMUNIDAD HONDUREÑA DE TEATRISTAS COMHTElunes, 15 de junio de 2009
Ensayos de Venecia en el Teatro Municipal
El próximo lunes 22 de junio a las 21 hs. comienzan los ensayos de Venecia en el Teatro Municipal , una obra de Jorge Accame. El autor nació en 1956 en la ciudad de Buenos Aires y vive en San Salvador de Jujuy desde 1982. Allí trabaja como docente en la escuela secundaria, en el profesorado y en la Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Jujuy.
En 1997 recibió una beca de la Fundación Antorchas y participó del Programa Internacional de Escritura en la Universidad de Iowa (Estados Unidos). También fue becado por el Fondo Nacional de las Artes, por el Instituto Nacional del Teatro y por la Fundación Civitella Ranieri.
En 1986 estrenó en la provincia de Jujuy la obra Pajaritos en el balero; en 1988, Casa de Piedra y en 1990, Chingoil Compani, todas ellas representadas por el Grupo Jujeño de Teatro que dirigió Damián Guerra. En 1998 estrenó Venecia en el Teatro del Pueblo, en Buenos Aires, con la dirección de Helena Tritek, obra que continúa representándose en su tercera temporada en el teatro Payró.
En 1997 recibió una beca de la Fundación Antorchas y participó del Programa Internacional de Escritura en la Universidad de Iowa (Estados Unidos). También fue becado por el Fondo Nacional de las Artes, por el Instituto Nacional del Teatro y por la Fundación Civitella Ranieri.
En 1986 estrenó en la provincia de Jujuy la obra Pajaritos en el balero; en 1988, Casa de Piedra y en 1990, Chingoil Compani, todas ellas representadas por el Grupo Jujeño de Teatro que dirigió Damián Guerra. En 1998 estrenó Venecia en el Teatro del Pueblo, en Buenos Aires, con la dirección de Helena Tritek, obra que continúa representándose en su tercera temporada en el teatro Payró.
En Venecia, una madama anciana y ciega que regentea un prostíbulo en San Salvador Jujuy, la Gringa, sueña con reencontrarse en la ciudad italiana con Giácomo, un hombre que la amaba y al que ella traicionó. Quiere volver a estar con él porque finalmente ha descubierto que "el amor es importante" y desea pedirle perdón antes de morir. Tres pupilas y un cliente del prostíbulo simularán con elementos cotidianos un viaje en avión y una visita a Venecia para que la Gringa pueda morir tranquila. Los esfuerzos para construir "el simulacro de viaje" constituyen una fuente inagotable de efecto cómico. Una vez que el viaje "se realiza" sus atífices ya no saben si están en Jujuy o en Venecia.
La puesta en Balcarce será dirigida por Mirta Valls, los integrantes del elenco que comenzarán a ensayar el próximo lunes son Silvia Verdina, Romina Mignano, Inés Segurola, Rubén Santinón, Silvina Pallotti y Luciano Cristaldo.
jueves, 21 de mayo de 2009
Curso a distancia con aula virtual - Gestión y Producción de Proyectos Teatrales
Talleres y cursos a distancia PROYECTOS TEATRALES: GESTIÓN Y PRODUCCIÓN 1/ con Gustavo Schraier Agosto a noviembre Para estudiantes y profesionales de cualquier disciplina artística y/o técnica relacionados con las artes escénicas así como todas aquellas personas con conocimientos básicos de ellas interesadas en conocer o formarse en la gestión y 
producción teatral. DESCRIPCIÓN: Este taller a distancia está dividido en cuatro módulos mensuales dictados en un Aula Virtual especialmente montada para él. Se propone brindar una capacitación en las técnicas de gestión y producción teatral formando a aquellos interesados en poner en práctica el diseño, organización, realización y promoción de proyectos teatrales de carácter independiente o alternativo. El alumno podrá comunicarse con el docente y sus compañeros mediante chats, foros y correo interno; así como acceder a textos, contenido multimedia y sitios de interés referentes al curso. Se realizarán también encuentros semanales en salas de chat para tratar temas específicos y plantear las dudas que pudieran surgir.Los conocimientos adquiridos se aplicarán en trabajos prácticos individuales y grupales sujetos a la corrección del docente.Una vez aprobado los cuatro módulos del curso se 
entregarán certificados. MÉTODO DE ESTUDIOS: Actividades de carácter individual y grupal. Tutorías a través de correo electrónico. Cada módulo se organiza por unidades temáticas y cada semana estará disponible en el Aula Virtual una clase elaborada por el docente sobre un nuevo tema. Los alumnos accederán a esa clase y a una bibliografía de lectura obligatoria. Según el tema podrán acceder a ejercitaciones, bibliografía ampliatoria y/o enlaces a otras lecturas, programas o sitios de interés. El docente a cargo del curso acompañará, orientará y animará el proceso de aprendizaje en las instancias individuales y en las interacciones de aprendizaje colectivo una vez a la semana en horario determinado. El docente diseñará trabajos prácticos para los alumnos al finalizar cada módulo. Estos trabajos fomentarán el intercambio y aprovechamiento de los conocimientos y experiencias de los alumnos y el análisis y la discusión sobre la aplicabilidad e integración de los nuevos conocimientos a la práctica profesional. Se indicarán oportunamente las fechas de entrega para la corrección de los trabajos. CARGA HORARIA: Dedicacion semanal promedio de 4 a 6 horas, dependiendo del propio ritmo de estudio. Carga horaria estimada del curso completo: 70 horas. EVALUACIÓN: La evaluación de los alumnos en cada módulo se realizará a través de trabajos 
prácticos y de evaluaciones parciales en línea. La evaluación final de los aprendizajes consistirá en la presentación de un trabajo individual elaborado con orientación del docente a lo largo del Curso y con el aporte de discusiones grupales del tema a través de los Foros de intercambio. Los trabajos prácticos podrán ser informes escritos breves, búsquedas bibliográficas, análisis de casos, resolución de problemas u otras modalidades según los objetivos de la unidad temática. Se realizará también el seguimiento de la participación de los alumnos evaluando el grado y la calidad de las participaciones en los foros. Evaluación de apreciación del Curso: Al finalizar el Curso se realizará una encuesta de opinión on-line para que los alumnos evalúen la calidad y el grado de aprovechamiento de la formación recibida. BIBLIOGRAFIA: Se trabajará durante el desarrollo de este curso con la guía del texto “Laboratorio de Producción Teatral 1, Técnicas de gestión y producción aplicadas a proyectos alternativos”. Se entregarán además apuntes adicionales de otros autores.
producción teatral. DESCRIPCIÓN: Este taller a distancia está dividido en cuatro módulos mensuales dictados en un Aula Virtual especialmente montada para él. Se propone brindar una capacitación en las técnicas de gestión y producción teatral formando a aquellos interesados en poner en práctica el diseño, organización, realización y promoción de proyectos teatrales de carácter independiente o alternativo. El alumno podrá comunicarse con el docente y sus compañeros mediante chats, foros y correo interno; así como acceder a textos, contenido multimedia y sitios de interés referentes al curso. Se realizarán también encuentros semanales en salas de chat para tratar temas específicos y plantear las dudas que pudieran surgir.Los conocimientos adquiridos se aplicarán en trabajos prácticos individuales y grupales sujetos a la corrección del docente.Una vez aprobado los cuatro módulos del curso se 
entregarán certificados. MÉTODO DE ESTUDIOS: Actividades de carácter individual y grupal. Tutorías a través de correo electrónico. Cada módulo se organiza por unidades temáticas y cada semana estará disponible en el Aula Virtual una clase elaborada por el docente sobre un nuevo tema. Los alumnos accederán a esa clase y a una bibliografía de lectura obligatoria. Según el tema podrán acceder a ejercitaciones, bibliografía ampliatoria y/o enlaces a otras lecturas, programas o sitios de interés. El docente a cargo del curso acompañará, orientará y animará el proceso de aprendizaje en las instancias individuales y en las interacciones de aprendizaje colectivo una vez a la semana en horario determinado. El docente diseñará trabajos prácticos para los alumnos al finalizar cada módulo. Estos trabajos fomentarán el intercambio y aprovechamiento de los conocimientos y experiencias de los alumnos y el análisis y la discusión sobre la aplicabilidad e integración de los nuevos conocimientos a la práctica profesional. Se indicarán oportunamente las fechas de entrega para la corrección de los trabajos. CARGA HORARIA: Dedicacion semanal promedio de 4 a 6 horas, dependiendo del propio ritmo de estudio. Carga horaria estimada del curso completo: 70 horas. EVALUACIÓN: La evaluación de los alumnos en cada módulo se realizará a través de trabajos 
prácticos y de evaluaciones parciales en línea. La evaluación final de los aprendizajes consistirá en la presentación de un trabajo individual elaborado con orientación del docente a lo largo del Curso y con el aporte de discusiones grupales del tema a través de los Foros de intercambio. Los trabajos prácticos podrán ser informes escritos breves, búsquedas bibliográficas, análisis de casos, resolución de problemas u otras modalidades según los objetivos de la unidad temática. Se realizará también el seguimiento de la participación de los alumnos evaluando el grado y la calidad de las participaciones en los foros. Evaluación de apreciación del Curso: Al finalizar el Curso se realizará una encuesta de opinión on-line para que los alumnos evalúen la calidad y el grado de aprovechamiento de la formación recibida. BIBLIOGRAFIA: Se trabajará durante el desarrollo de este curso con la guía del texto “Laboratorio de Producción Teatral 1, Técnicas de gestión y producción aplicadas a proyectos alternativos”. Se entregarán además apuntes adicionales de otros autores. 
GUSTAVO SCHRAIER. Productor ejecutivo y artístico profesional. Coordinador de Producción Artística del Complejo Teatral de Buenos Aires desde 2000. Trabajó entre otros con Jorge Lavelli, Lluís Pasqual, Robert Sturua, Carlos Gandolfo, Rubén Szuchmacher, Laura Yusem, Luciano Suardi, Alfredo Arias. Productor ejecutivo de “Disney´s La bella y la bestia”, “Fausto versión 3.0” por La Fura del Baus, y “Carmen” por la Cuadra de Sevilla. Director de producción y gerente de programación artística del área de Artes de la Representación de la Fundación Banco Patricios desde 1992 hasta su cierre en 1998. Docente de gestión y producción escénica en distintos ámbitos públicos y privados de la Ciudad de 
Buenos Aires y del interior del país. Asistente técnico en gestión y producción ejecutiva del Instituto Nacional del Teatro. Autor del libro “Laboratorio de producción teatral 1, técnicas de gestión y producción aplicadas a proyectos alternativos”, editado por el Instituto Nacional del Teatro en Argentina.Arancel: Argentina: $ 240 mensuales. Mercosur: u$s 68 mensuales. América Latina: U$S 100 mensuales. Resto del mundo: U$S 142 mensualesFormas de pago: Argentina: Depósitos o transferencias bancarias. PagoFácil y RapiPago. Resto del mundo: Western Union y Money Gramm. Los costos de transferencia serán a cargo del tallerista.
Más información: correo@celct.org.ar
Un espacio de encuentro entre los teatristas iberoamericanos.
Enviá un correo electrónico a http://ar.mc332.mail.yahoo.com/mc/compose?to=foro@celcit.org.ar con el Asunto: 
SUSCRIBIR AL FORO DIRECTORIO DEL TEATRO IBEROAMERICANO
SUSCRIBIR AL FORO DIRECTORIO DEL TEATRO IBEROAMERICANOToda la actualidad teatral iberoamericana en http://www.celcit.org.ar/. Suscribite allí a nuestro boletín El CELCIT en acción Bajá a tu PC, sin cargo alguno, nuestras publicaciones: revistas, obras de teatro de autores contemporáneos y libros de teoría teatral.
CELCIT-Argentina. Moreno 431. (1091) Buenos Aires. Teléfono: (5411) 4342-1026 http://www.celcit.org.ar/.
Presidente: Juan Carlos Gené. Director: Carlos Ianni. Equipo de gestión: Teresita Galimany, Soledad Ianni, Solange Krasinsky, Juan Lepore, Claudia Quiroga Diseño web: Moebiusdigital.com.ar
miércoles, 29 de abril de 2009
Un poco de historia... que llega hasta nuestros días, La Commeddia dell' Arte
En la Italia del S. XVI nació un estilo teatral revolucionario en base a la improvisación, que hoy conocemos como la Commedia dell’Arte. Un teatro itinerante que nace un poco en cada uno de los lugares a los que va, tomando siempre que puede, de sus gentes las historias y del día a día sus costumbres, para hacer participes a los espectadores de la improvisación de los actores y de este modo, conseguir que el enredo de la obra gane en frescura y dinamismo, llevando a los personajes a un sin fin de locas situaciones. En él, un grupo de actores, especializados cada uno en un personaje que interpretaría durante toda su vida, realizaban una crítica y parodia social en base a un boceto de historia (canovaccio) recurriendo a improvisaciones, canciones, danzas, acrobacias y pantomimas. El resultado fue un fenómeno de masas que llenó de arlequines, capitanos, zanni y demás personajes de este espectacular género, todas las plazas y escenarios de Europa durante tres siglos.
Por desgracia, este estilo teatral fue perseguido y prohibido en varias ocasiones hasta que la presión del poder y la evolución del mismo género acabó enterrando sus raíces y fue olvidado por todos. El Teatro del Lazzi se suma a las compañías que siguen luchando por mantener vivo el espíritu de la Commedia dell’Arte en su etapa más viva y espectacular. Siguiendo el mismo esquema que los actores de antaño, con la frescura de entonces pero en el momento actual, convirtiendo sus espectáculos en un viaje al pasado para llegar al presente a través de la carcajada.
Por desgracia, este estilo teatral fue perseguido y prohibido en varias ocasiones hasta que la presión del poder y la evolución del mismo género acabó enterrando sus raíces y fue olvidado por todos. El Teatro del Lazzi se suma a las compañías que siguen luchando por mantener vivo el espíritu de la Commedia dell’Arte en su etapa más viva y espectacular. Siguiendo el mismo esquema que los actores de antaño, con la frescura de entonces pero en el momento actual, convirtiendo sus espectáculos en un viaje al pasado para llegar al presente a través de la carcajada.
martes, 28 de abril de 2009
Artistas en lucha de resistencia
Buenos Aires, Viernes 24 de Abril de 2009
CARTA ABIERTA – ORQUESTA ACADÉMICA DEL TEATRO COLÓN
Los integrantes de la Orquesta Académica del Teatro Colón informamos que, luego de trece años de existencia y actividad ininterrumpida de la misma, las actuales autoridades del teatro han decidido cerrarla.
Bajo el pretexto de reorganizarla, no solo han dejado a un lado el proyecto que funcionaba activamente (audiciones anuales, programación de conciertos, objetivos formativos, etc.), sino que también han expulsado a los actuales integrantes.
La OATC es una de las pocas orquestas juveniles del país, donde los jóvenes realizan un
intenso curso de perfeccionamiento orquestal.
Hasta el momento, no hemos recibido ningún tipo de explicación por parte de la dirección del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, a cargo de la Lic. Ana Massone -del cual dependemos-, ni del director del teatro, Pedro Pablo García Caffi; quienes anularon las audiciones realizadas durante la gestión anterior y cancelaron los compromisos con salas de conciertos asumidos con anticipación.
Nuestra forma de resistencia se traduce ensayando asiduamente pese a los nulos recursos materiales que poseemos en este momento (sala de ensayo, atriles, archivo de música, becas, etc.), y brindando un concierto el próximo sábado 30 de mayo a las 18 hs en el Auditorio de Facultad de Derecho.
Se agradece su difusión.
Integrantes de la Orquesta Académica
CARTA ABIERTA – ORQUESTA ACADÉMICA DEL TEATRO COLÓN
Los integrantes de la Orquesta Académica del Teatro Colón informamos que, luego de trece años de existencia y actividad ininterrumpida de la misma, las actuales autoridades del teatro han decidido cerrarla.
Bajo el pretexto de reorganizarla, no solo han dejado a un lado el proyecto que funcionaba activamente (audiciones anuales, programación de conciertos, objetivos formativos, etc.), sino que también han expulsado a los actuales integrantes.
La OATC es una de las pocas orquestas juveniles del país, donde los jóvenes realizan un
intenso curso de perfeccionamiento orquestal.Hasta el momento, no hemos recibido ningún tipo de explicación por parte de la dirección del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, a cargo de la Lic. Ana Massone -del cual dependemos-, ni del director del teatro, Pedro Pablo García Caffi; quienes anularon las audiciones realizadas durante la gestión anterior y cancelaron los compromisos con salas de conciertos asumidos con anticipación.
Nuestra forma de resistencia se traduce ensayando asiduamente pese a los nulos recursos materiales que poseemos en este momento (sala de ensayo, atriles, archivo de música, becas, etc.), y brindando un concierto el próximo sábado 30 de mayo a las 18 hs en el Auditorio de Facultad de Derecho.
Se agradece su difusión.
Integrantes de la Orquesta Académica
martes, 24 de febrero de 2009
¿Qué significa "La Nona"? Por Luciano M. Cristaldo
"La Nona es una advertencia contundente: en los años '70 (y luego también) la mansión se venía abajo mientras muchos de sus ocasionales ocupantes paseaban con sus hijos por los jardines. En este juego todos mueren, se suicidan o son forzados al exilio."
Los personajes de la Nona portan en sí, el fiel reflejo de la sociedad argentina toda. A la obra se aplica perfectamente la frase del tango de Eladia Blázquez, es “... un escrachamiento de frente y de perfil...” ; en ella, Tito Cossa refuncionaliza y resemantiza los procedimientos teatralistas del sainete, con la finalidad de hacer aún más evidente la postulación social del texto. Se rompe la valoración ideológica común, propia de la primera fase del realismo reflexivo, como dice Osvaldo Pelletieri en su análisis .
Creo, sin embargo, que no sólo se rompe la comunidad ideológica, sino que se produce una disolución de la ideología, incluso a niveles personales, pues estos personajes no están siquiera seguros de lo que piensan ellos mismos, lo único que tienen en claro es el interés individual y por si esto fuera poco, solo a nivel de urgencias: ninguno tiene un proyecto de vida aunque más no fuese a corto plazo. Pensemos por ejemplo en Carmelo - el dueño del puesto de la feria, el padre proveedor de la familia, la nodriza o cisterna - cuando dice “... la idea de ahorrar para poner el mercadito... bueno mejor que me la olvide. Pero si esto sigue así, voy a tener que vender el puesto de la feria.”, sólo está reclamando la asunción de corresponsabilidades a partir de la conciencia del desastre, no ser juzgado a posteriori como el "que no pudo, no supo o no quiso", (discurso de R. Alfonsín al anunciar su retiro y el llamado a elecciones anticipadas en 1989), pues hace ya bastante tiempo (en la prehistoria de la obra), que Carmelo abandonó la esperanza de tener éxito en su proyecto.
Todo lo que dicen o hacen los personajes de La Nona está destinado con exclusividad a solucionar emergentes, a superar la coyuntura, a ver como zafamos hoy y mañana... Dios dirá.
Todo lo que dicen o hacen los personajes de La Nona está destinado con exclusividad a solucionar emergentes, a superar la coyuntura, a ver como zafamos hoy y mañana... Dios dirá.
Esa profunda crisis ideológica que muestran, los hace tremendamente vulnerables, se encuentran así, a merced de cualquier Nona que anduviera suelta por ahí.
Hoy, pasados treinta y dos años, este tema se agiganta, pues la decisión de ataque y ruptura de las ideologías ajenas a la dominancia neoliberal, hizo una nueva y muy virulenta eclosión en 1989 y alcanzó un rotundo éxito luego de un trabajo perrtinaz durante algo más de una década, erosionando toda la base social y política argentina, hipotecando la posibilidad de proyectar y construir políticas liberadoras, y desembocando finalmente en un destino -anunciado si se mira en retrospectiva- inevitable y oscuro: la explosión de 2001.
La Nona es una advertencia contundente, en los
años ’70 la mansión se venía abajo (y luego también), mientras muchos de
sus ocasionales ocupantes paseaban con sus hijos por los jardines. En
este juego todos mueren, se suicidan o son forzados al exilio. La Nona
es el sujeto, pues es la que lleva adelante la acción, que consiste
principalmente en este juego destructivo y (nunca mejor aplicada la
frase hecha) gana por demolición, basada en su persistencia demoledora.
La ideología del dominante está oculta, parece que ni siquiera existiese, esto no es casual, sino intencional y central en lo estratégico; no tener identidad conocida es volverse invisible, poder internarse y anidar en el centro vital del organismo colonizado ofrece al destructor la posibilidad de actuar del mismo modo que las células indiferenciadas de un tumor maligno, operando hasta que lo anormal, por ser tan común se asemeje a lo normal y el asombro no tenga ya lugar.
Es tan sencillo lo que persigue la Nona, tan primitivo, tan despojado de segundas intenciones, que es como el aprovechamiento por los nazis, de la teoría del espacio vital de Ratzel, cimentando la justificación de la aniquilación del enemigo en un tan simple: o ellos o yo.
Pero lo que significa La nona no está dirigida a las nonas...
Confusión bastante generalizada en la Argentina,
en la que estamos demasiado acostumbrados a solazarnos en la
satisfacción del: “... se lo dije, para que no piense que soy tan
tarado, que no crea que no me doy cuenta... ”, mientras todo sigue
igual. No, no está dirigido a las Nonas, está dirigido a nosotros, que somos los únicos que podemos modificar el que pareciera ser el sino inevitable de la historia, con “... una pronta solución, que bien podría ser la unión de los que aún estamos vivos para torcer nuestro destino...”, como diría Victor Heredia.
Si bien la ilustración es insuficiente y "antigua"
en el mundo que atravesó la modernidad y navega por el océano histórico
postmoderno, por estas, nuestras latitudes, tan extrañamente eclécticas
en lo cultural, juzgo
que no está demás la 
siguiente cita: “...Si los pueblos no se ilustran, sino se vulgarizan sus derechos, ... , será su suerte mudar de tiranos sin destruir la tiranía. ”, esto decía Tato Bores en el cierre de su programa, montado en Rocinante y con armadura de Quijote, citando la frase de Mariano Moreno en la portada de La Gaceta de Buenos Aires. En realidad la frase pertenece a Juan Jacobo Rousseau y Moreno la transcribía.
siguiente cita: “...Si los pueblos no se ilustran, sino se vulgarizan sus derechos, ... , será su suerte mudar de tiranos sin destruir la tiranía. ”, esto decía Tato Bores en el cierre de su programa, montado en Rocinante y con armadura de Quijote, citando la frase de Mariano Moreno en la portada de La Gaceta de Buenos Aires. En realidad la frase pertenece a Juan Jacobo Rousseau y Moreno la transcribía.
En verdad no es tanto lo que dice la cita lo que me interesa estampar aquí, sino más bien comunicar la sensación maravillosa que me causa rememorar aquella imagen.
El Quijote pertenece a la ficción, pero Moreno existió. Aunque también recuerdo que un instante después de que Tato terminaba ese parlamento, una voz en off gritaba: “- A Moreno lo tiraron al agua.”
Luciano M. Cristaldo
Se autoriza su reproducción total o parcial citando la fuente
domingo, 22 de febrero de 2009
ATINA y el Foro de Teatro para Niños y Jóvenes
Foro Iberoamericano de Teatro para Niños y Jóvenes.ATINA (Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes de la Argentina), creadora del Foro Iberoamericano de Teatro para Niños y Jóvenes, con el fin de tender vías de comunicación entre los teatristas de Latinoamérica y posibilitar intercambios y proyectos en común, realiza hoy el envío 115 y cuenta con más de 2000 suscriptores en toda Latinoamérica.
Los contenidos del Foro, entre otros, se basan en mensajes , informaciones de becas, seminarios, festivales, publicación de artículos de teoría teatral vinculados al teatro para niños y jóvenes, estrenos y reposiciones de obras de teatro para niños y jóvenes a lo largo de toda Latinoamérica.Como resultado de las informaciones contenidas en los envíos del Foro, teatristas de toda Latinoamérica han podido realizar giras, concurrir a festivales y establecer vínculos de cooperación. Para suscribirse al Foro, sólo hay que ingresar en http://www.iberoamericateatral.com.ar/ y completar el formulario.
jueves, 19 de febrero de 2009
Concurso de Dramaturgia por el Bicentenario
¡Se convoca a los artistas del país!
Concurso de dramaturgia para el bicentenario
La Secretaría de Cultura de la Nación, el Instituto Nacional del Teatro y el Teatro Nacional Cervantes convocan a los autores teatrales del país, a participar del Concurso Nacional de Obras de Teatro para el Bicentenario. El concurso se da como parte de las actividades programadas por el Comité Permanente del Bicentenario de la Revolución de Mayo de 1810. En él, podrán participar todos los argentinos nativos o extranjeros con más de cinco años de residencia comprobable en el país.La convocatoria cierra el 15 de marzo de 2009. Las obras deben presentarse, por triplicado, en el Instituto Nacional del Teatro.Las bases del concurso pueden consultarse en www.inteatro.gov.ar
Concurso de dramaturgia para el bicentenario
La Secretaría de Cultura de la Nación, el Instituto Nacional del Teatro y el Teatro Nacional Cervantes convocan a los autores teatrales del país, a participar del Concurso Nacional de Obras de Teatro para el Bicentenario. El concurso se da como parte de las actividades programadas por el Comité Permanente del Bicentenario de la Revolución de Mayo de 1810. En él, podrán participar todos los argentinos nativos o extranjeros con más de cinco años de residencia comprobable en el país.La convocatoria cierra el 15 de marzo de 2009. Las obras deben presentarse, por triplicado, en el Instituto Nacional del Teatro.Las bases del concurso pueden consultarse en www.inteatro.gov.ar
Las refacciones en el Teatro Municipal
Sigue el arreglo del Teatro Municipal. Los teatristas de Balcarce deseamos que esté listo para actuar allí lo antes posible, tal vez sea en este primer semestre de 2009. También esperamos y seguramente trabajaremos para ello, que además de estar bonito, cómodo y ajustado a la normativa vigente, se convierta en un verdadero centro fundante de la cultura teatral balcarceña. Abierto a múltiples propuestas teatrales. Un lugar para habitar permanentemente. Un teatro de cuatro estaciones.
miércoles, 18 de febrero de 2009
"Llanto de perro" en el Auditórium
Jueves - 23.30 - Sala Nachman - Teatro Auditórium
"LLANTO DE PERRO"
de Andrés Binetti
"LLANTO DE PERRO"
de Andrés Binetti
Con: Laura Federico, Merceditas Elordi, Eduardo Alías y Mario CarnegliaDirección: Mario Carneglia
Asistencia de dirección: Paula Scarpetta
Entre el hambre, el encierro y la perversión habitual, un personaje llega a la casa rural donde tres hermanos deben contestar las preguntas de la Encuesta Permanente de Hogares sorteando la inocencia, la ignorancia y la soledad. La puesta propone en tono de humor situaciones cotidianas que se extreman al límite y se convierten en desopilantes, para que luego el espectador pueda reflexionar acerca de nuestra sociedad.
Funciones de "Llanto de perro": Jueves – 23.30 hs · Teatro Auditórium (Blvd. Marítimo 2280) · Mar del Plata · Argentina
lunes, 16 de febrero de 2009
¿Querés saber que está pasando en el ámbito teatral en Balcarce?
¡Llegaste al sitio indicado! BALCARCE TEATRAL nace para informarte acerca de todo lo que sucede en los escenarios y espacios dedicados al arte dramático en la ciudad:
Funciones - Ensayos - Proyectos
Carreras - Talleres - Textos
Todas las fotos del teatro local y entrevistas a los que hacen el teatro nuestro de todos los días.
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